1. 攝影基礎知識的介紹
瞬間曝光留下下千姿百態，方寸之間容納千言萬語。用自己手中的照相機留住一個個美好的瞬間，留下一個個難忘的回憶，是很多校友的美好心願．
為此，一些朋友已經品嘗過很多失敗和成功的甘苦．但是對更多的朋友來說，攝影似乎還是非常神秘的，可望卻不可及。
一幅成功的攝影作品需要將攝影技術和藝術完美結合起來。攝影師應該是個"雜家"。
在這塊版面上，將向朋友們介紹有關攝影的一些知識。若朋友們在攝影中遇到問題，可來信告之，我們會有針對性地予以解答。
照片上的影像是怎樣產生的？
凡是拍過照片的朋友都知道，一幅完美照片的誕生，需要經歷一個復雜的工藝過程。
影像的形成過程可用下圖表示：
1. 拍攝曝光
首先，攝影人員必須通過相機的鏡頭將如詩如畫的風景、多姿多彩的景物記錄在相機內裝的膠片上。這一步就是通常所說的拍攝曝光，是攝影全過程中不可缺少的一環。這時的膠片上存在著肉眼看不見的影像被稱為"潛影"，顧名思義就是"潛在的影像"。
2.負片的沖洗
拍攝完的膠片必須要經過沖洗加工才能將潛在的影像變成可見影像。沖洗膠片的工作可由專業沖擴店完成，也可自己來完成。如果使用的是彩色負片，在經過顯影、漂白、定影等工序後，可以看到，膠片上留有一個和原景物明暗相反，色彩互補的影像，通常，我們把這個影像叫做"負像"。帶有負像的膠片被稱作"底片"。
在這里提醒朋友們注意：
膠卷是一種不同於畫家、作家所用各種紙張的特殊記錄材料。在沒有經過沖洗加工之前，這種材料是不能在亮室打開的，這時打開也看不到任何影像。而且，如果此時打開暗盒，會使你的前期拍攝結果毀於一旦！
別小看小小的底片，只有它的質量好，照片上的影像才可能好。沖洗好的底片，一定要保持它的清潔，防止沾上臟物和被劃傷。因此，濕底片在乾燥時，要涼在清潔的環境中，不能讓塵埃粘到膠片上，更不能隨便用手或抹布等去捋底片，這樣容易在膠片上留下指紋或造成劃傷，沖洗好的底片不要裸露在外，應裝在專用的底片袋中保存，以免沾上灰塵。因為一旦底片上有劃痕，會在照片上留下為深色條道，底片上有臟物，會在照片上留下相應的白色影像。
3.印片或放大
看到負像不是攝影的最終目的，要想看到和原景物明暗及色彩一致的影像，還需要通過擴印機的鏡頭，將小小底片上的負像放大到所要的尺寸，曝光印放在彩色相紙上。放大時，可以對畫面進行裁剪，可以對色彩進行校正，可以多張復制，還可以復製成不同的尺寸。印片後，照相紙上留下的也是肉眼看不見的"潛影"。
4. 相紙的沖洗
相紙的沖洗和負片的沖洗方法基本相似，但不完全一樣。沖洗之後， 相紙上會出現和原景物明暗一致、色彩相近的彩色影像。
攝影過程涉及到許多具體的技術問題。如拍攝條件的把握、顯影條件的控制等等，每個環節都不能忽視，因為它們都會影響畫面的質量。
相機的使用和維護
相機是高精度的設備，經久耐用、可靠。如果你操作正確並適當保養，相機會很好地為你服務。但是，如果你不好好對待它，它常常會使你處於很尷尬的境地。因此，在使用相機時，要像愛護自己的眼睛一樣愛護你的照相機。
以下注意事項希望朋友們予以重視：
1.不要嘗試用手打開全自動相機的鏡頭蓋。只有在開關處於開啟狀態時，鏡頭蓋會自動打開，開關關閉時，鏡頭蓋會自動關閉。
2.如果相機有日期顯示模式，在電池沒電之前不要取出電池，因為日期功能需要電池供電以保持連續。
3.全自動相機應使用帶有DX碼的膠片，購買膠片，要確保暗盒上帶有DX碼標記。如果裝入了無DX碼的膠片，感光度將自動設置在某一個數值上，而不管膠片的真實感光度是多少，因而可能引起曝光不正確。
4.使用和攜帶相機時，要十分小心，不要摔、砸相機，避免強烈震動、沖擊或擠壓。當在摩托車、汽車、船、飛機等上攜帶相機時，應使用厚墊子保護它。使用三腳架時，一定要立穩，特別要防止三腳架被踢翻或被大風颳倒。
5.避免將相機放在裝有衛生球的衣櫃內，或含有能嚴重損害相機的化學葯品的實驗室中。應存放在涼爽、乾燥通風良好處。絕不能用諸如塗料稀釋劑、酒精或苯清洗相機。
6.如果將相機從低溫的戶外拿到溫暖的室內，水氣會在相機內外冷凝成水滴。在帶相機進入溫暖的室內時，應將相機裝在盒子或塑料袋中，使相機的溫度逐漸變化。在溫差降低後，再打開袋子。
7.一般相機正常工作的溫度范圍是40℃—— －10℃，要注意避免相機長時間置於高溫、高濕環境中，如夏日的汽車中。
8.滲透到相機中的污物、泥土、灰塵、潮氣、有害氣體或鹽水會損壞相機，使它不運行。在海濱要防止相機與含鹽的潮濕空氣接觸，要防止相機濺上任何液體和雨水。當相機遭雨淋、或接觸濕氣，應將水擦掉，涼干。
9.更換電池時，應同時更換掉所有舊電池，不能混用不同品牌、不同類型、不同商標的電池，或新舊電池混用。請勿破壞電池、或給電池充電，也不要將電池放在火上烤，因為這樣會引起電池漏電、自熱、爆炸等。電池應按指示的正負極裝好。
10.絕不要嘗試拆卸相機。
由於鏡頭質量對於成像質量的好壞影響很大，但同時它也是最嬌嫩的部件之一。所以它的使用和保護就更為重要。
首先，要保持鏡頭的清潔。
當你把相機掛在脖子上的時候，鏡頭一定要加鏡頭蓋或透明的UV鏡，藉以保護鏡頭不被塵土、油污或其他碎屑所沾污，也不至於不小心把指紋留在鏡頭上。不要把鏡頭不加蓋就和其他物品堆放在一起，不要隨意用手觸摸鏡頭，或讓質地較硬的物品接觸到鏡頭，更不要養成隨手亂放的習慣。因為鏡頭臟了，會使影像質量下降，比如，用滿是灰塵的鏡頭拍攝的影像會顯得反差低，模糊不清。如果鏡頭上有指紋的話，會在在印好的照片上忠實地反映出來。在你的攝影包里，應該備有鏡頭刷、氣吹子（也稱洗耳球）、鏡頭紙等等，如果發現鏡頭臟了，用專用鏡頭刷可以除去塵土等乾性物質，而油污、指紋則需要用專用清洗劑和專用軟布擦拭。千萬不要用堅硬的東西去刮，那樣不僅清潔不了鏡頭，反而會給鏡頭造成更大的損傷——劃道。輕者要送去維修，重者就要報廢。
另外要注意的是，鏡頭一般是用玻璃製作的，每個鏡頭組中的鏡片的軸心、鏡片與鏡片之間的位置都是經過精心設計和排列的，在使用過程中，要注意防止鏡頭受到強烈的震動、磕碰，以免鏡頭玻璃的破裂或移位，從而影響成像質量。當你把相機架在三腳架上時，這種問題極易發生，要多加小心呦。
照相機的類型及挑選
在攝影器材市場上，有許多款式的照相機和附件可供選購。而對於大多數家庭來說，相機屬於貴重物品。也許，最初為選購相機奔忙是令人興奮的，但也是使人畏懼的，尤其是在作出的選擇被證實為是一個非常浪費的錯誤選擇之後。因此，奉勸朋友們購買相機時，應根據實際需要和經濟情況來決定機型，不要盲目購置附有很多"多餘功能"的高檔相機。
盡管一部分廠商曾經試圖生產單一的、可以滿足所有攝影需要的照相機，但結果是令人遺憾的，沒有一款照相機能作為理想的精品來滿足所有的攝影需求。因此，要麼你要根據已經選擇的照相機所能承擔的工作，來限定你從事的攝影工作，要麼，你要購買幾個不同類型的照相機，用來滿足你可能會遇到的所有的需要。
照相機的類型很多。按照畫幅的大小，相機可以分為大型相機（如照相館用的座機，可用於拍攝散頁片）、中型相機（如120相機，用於拍攝6cm′6cm、6cm′9cm等的畫幅）和小型相機（如135相機，用於拍攝24mm′36mm大小的畫幅）。按取景方式可分為同軸取景（單鏡頭取景）和旁軸取景（取景器位於鏡頭的上方或斜上方）兩大類。按曝光自動化程度分類，可分為手動、半自動和全自動（人稱"傻瓜"）相機。
目前，家用相機以135型相機為主流機型。從使用經驗來看，135型相機由於體積小，攜帶輕便，取景調焦方便，使用的彩色卷片沖洗擴印都比較方便，且相機的品牌很多，中、高、低檔次的都有。可依自己的需要購置。
如果僅僅用於拍攝紀念照或為旅遊而隨身攜帶，可購置旁軸取景的135相機。這類相機有全自動、半自動和手動幾種，一般帶有閃光燈，可在較暗的環境下使用。這種相機操作相對比較簡單。如果要用於藝術創作，還是要購買中檔以上的單鏡頭反光相機，但不能是"傻瓜"型的。應該有手動調節裝置，以便根據創作的需要人為地控制曝光量、景深等。有條件的話，還可配上用得著的不同焦距的鏡頭。
在眾多的品牌中要作出具體選擇時，建議大家考慮以下幾個因素：
1. 該款相機具有哪些功能，這些功能是否正是你所需要的？主要關注的技術問題有：取景方式、調焦機構的工作方式、鏡頭的焦距測光與曝光模式、卷片模式及閃光模式等。
2. 使用是否方便？
3. 是否有相應的系列配件？如有無能和機身相配的不同焦距的鏡頭，介面合適的濾光鏡，以便在需要時添置。
4. 價格的否合理。
在確定購買某一款機型後，要仔細挑選：
1. 外觀檢查：不論是金屬外殼還是塑料外殼以及皮革都應是平整的，無劃痕、無變形、無磨損痕跡。鏡頭和機身的連接應是牢固且緊密的。後蓋和機身也應該是嚴絲合縫的。沒有反復拆卸的痕跡。
2.鏡頭檢查。鏡頭的質量直接影響成像質量，挑選時要格外留意。如果鏡頭是可以拆卸的，可以拆下來，如果是固定的鏡頭，可以將快門速度設在B門檔，打開後蓋，將鏡頭對准亮處，用透射光查看鏡頭上是否有霉點、較大的氣泡、裂紋、劃道等。還要用反射光從側面檢查鍍膜有無傷痕。相機的光圈葉片應該是收放自如的，不能有銹跡，油漬。調整光圈時手感應該是平滑的，不能太澀。
3.檢查調焦裝置：調焦時，調焦環應該讓人感覺有一點兒阻力，但不發澀，而且是均勻的。取景器中的影像應是清晰明亮的。如果是自動曝光相機，應使遠近不同的景物分別處於取景器中心，試試自動調焦系統是否反應靈敏。手動調焦系統，應將調焦環上無限遠的刻度線對准基線，在旁軸取景器中觀察，無限遠處的影像應該在取景器中心完全重合，在單鏡頭反光相機取景器中的裂像應該是對齊的。對近距離的物體進行調焦時，可用皮尺測量景物與相機的距離，檢查調焦環上的刻度是否准確。
4.檢查曝光裝置：打開後蓋，對不同亮度的景物拍攝曝光，如果是全自動相機或自動曝光相機，應試試自動光圈和自動快門的反應，手動曝光的相機要檢查一下景物亮度不同時，測光表的顯示數據是否有變化，用不同的快門速度曝光時，聽一聽快門開啟的時間是否有區別，。
5.帶有閃光燈的相機，要檢查閃光燈，在確認電池完好的前提下，將閃光燈開關置於"ON"處，待充電指示燈亮起時，按下快門，閃光燈應該閃亮，連續試幾次，並且注意閃光燈的充電時間間隔，不應太長。
6. 檢查輸片結構等機械裝置：自動卷片的相機，在裝好膠片後，拍攝曝光後，應能自動卷片。手動輸片相機，在輸片時，應感到有一定的拉力。計數器工作應正常，開蓋時，應自動回零。
7.顯示屏檢查：對於全自動相機，要裝上電池，看看屏幕上是否有顯示，按照說明書操作一遍，檢查一下顯示的符號與操作的結果是不是相符。
最後提醒朋友們，以上的挑選方法應得到銷售人員的許可，不能鹵莽行事，以免招來麻煩。
養成持握照相機的好習慣
首先，在拍攝取景時，不論要拍攝的畫面是橫向的、還是縱向的，都必須要使取景器邊框的底邊和地平線平行，否則，拍攝出來的房子、樹木、人就像要倒的樣子似的。
正常建築（圖），東倒西歪的亭子（圖）
另外，使用相機拍攝時，要用雙手把握相機，以橫握相機為例，一般是用左手心托住相機，左手大拇指和食指調焦，用右手食指按壓快門。盡量使相機處於靜止狀態，按壓快門時，要屏住呼吸，動作要輕。若用力過猛，相機可能受到振動，膠片上記錄下來的影像就可能模糊。可將肘部夾緊身體，或將相機放在堅固穩定的物體上，如三腳架上，膝蓋上，也可以靠在柱子、牆壁上，尤其在使用快門速度比較低時，最好找一個支撐點，否則，很難得到清晰的結果。
使用三腳架時，千萬不可大意的是，攜帶型三腳架上放置了相機之後，常常頭重腳輕，遇有刮風時，有翻倒的可能；人走過時，有可能被絆。因此，應做到人不離相機。從三腳架附近經過的車輛等有比較大的震動時，也會使影像不清晰，這一點要予以注意。
再有，不要用手握住變焦頭，因為變焦時鏡頭要前後移動！
手指和頭發以及相機背帶等物不要觸及鏡頭、自動調焦窗口、感測器窗口、閃光燈等，也不能擋在這些部件前面，因為這樣會使照片的某一部分因被遮擋，而無法記錄影像，也會弄臟鏡頭，從而影響照片上影像的清晰度。
相機鏡頭被遮擋--照片示意圖
關注攝影過程中人眼的適應能力
瞬間曝光留下千姿百態，方寸之間容納千言萬語。幾乎所有的人都希望用自己手中的照相機留住一個個美好的瞬間．但是，也許有的朋友注意到了，有些場合，我們看起來感覺光線很明亮，可拍攝下來的影像卻相當暗；有的景物，在人眼看來色彩鮮艷奪目，拍攝到畫面上卻面目全非。這是為什麼呢？
大凡拍過照片的人都知道，如詩如畫的風景、多姿多彩的動體是經過相機鏡頭後記錄在感光膠片上的，這純粹是一個物理化學過程。而我們的視覺感受卻不那麼簡單，既有人眼的生理功能在起作用，也有記憶功能和心理因素的影響。因此，對景物的感覺就不及膠片那麼"客觀"。人的視覺所具有的這種特點被稱之為"視覺適應"。 往往由於人們對這種"視覺適應"的"熟視無睹"，致使在某些情況下引起攝影的失誤。
"視覺適應"表現在很多方面。
首先，表現為"亮度全面適應"。例如，人從室外走入室內，常常感到室內和室外景物一樣亮。但是，如果用與室外拍攝相同的光圈和曝光時間來對室內景物進行拍攝，卻會發現，室內的照片因曝光不夠而顯污暗。這是因為，當人進入室內時，室內的低照度會引起人眼瞳孔的擴張，靈敏度提高，使進入人眼的光量成倍增加，多時可達十幾倍，因而意識不到光照的變化。這就是人眼?亮度全面適應"。而膠片卻不具備這樣的調節功能。因此，從攝影的角度來看，由於人眼的調節幅度很大，往往不能正確估計光照的實際強度，這是對攝影不利的。解決的辦法是，在 按下快門之前，要用測光表測光，對相機的光圈和速度做出必要的調整，以補償膠片所不具有的"亮度適應"。
相應地，對於色彩的感受，也存在"色覺全面適應"的現象。表現在對於不同照明條件，如日光和燈光、晴天和陰天、早上和黃昏，雖然光源的光譜成分發生了變化，但是由於人眼視網膜上感光細胞的靈敏度所具有的自我調節功能，使人眼看不出物體色彩的有多大變化。加之人對物體在白光下的顏色是有記憶的，因此，當光源有所改變時，心理作用致使人們對物體色的變化不易察覺。這時，千萬要記住的是，膠片可沒有這樣的適應能力，因此，要根據光源的不同，選擇不同種類的膠片，或使用相應的濾光鏡。否則。會出現不同的偏色。
視覺適應的另一表現為"局部亮度適應"。例如，視野中有一個相當亮的物體，對它長時間的凝視後，由於視網膜上這一局部的感光細胞疲勞，靈敏度下降，在將目光移到另一個淺色反光表面時，就會給我們留下一個該物體的暗的"後像"。反之，注視一個黑色物體後，將目光移到另一個淺色反光表面時，就會給我們留下一個該物體的白?後像"。隨著靈敏度的再次調整，後像會漸漸消失。若長時間凝視的是一個彩色物體，則在目光轉移到另一個平面時，就會產生一個和該物體色彩相反的"後像"，如凝視的是一個紅色的物體，它留下的後像的顏色近乎青色，這種現象稱為"色覺局部適應"，也稱"色後像"。
認識這種適應的實際意義在於，如果長時間凝視一幅畫面，再觀察下一幅畫面時，前一幅畫面的"後像"會疊加在後一幅畫面上，對其亮度和色彩產生影響。這一點，可謂有利有弊。在第二幅畫面出現之前，在前一幅畫面中展現與其互補的色彩，會令第二幅畫面的色彩顯得更鮮艷。而在為照片校色時，則要盡量避免長時間注視一幅畫面，防止因視覺疲勞造成靈敏度下降，對色彩判斷失誤。
第三種視覺適應稱作"旁側適應"。 在彩色攝影中，視覺的"旁側適應"也是應該引起重視的。在畫面中，如果相鄰的面積為不同的亮度或顏色，人眼視網膜上不同部位感光細胞的靈敏度調節，會使視覺發生變化。其規律是，亮的物體在暗背景上顯得更亮，暗的物體在亮背景上顯得更暗（參見圖1）；前景物體的色彩會向著背景的補色方向變化。參見圖2、3、4。圖1表現的是正常的人臉膚色，圖2是在紅背景下人臉的膚色，很明顯，膚色偏向紅色的補色--青色；而圖3中，藍背景下，人臉的色彩偏向藍色的補色--黃色。因此，在拍攝人像時，一定要有意識地注意背景色對人臉膚色的影響。
圖2
圖3
圖4
←圖1
http://www.szxy.org/art/photo/disc/zhangming/fr.htm
2. 如何鑒定照片是原件還是合成
在照片未打開前右擊照片，點屬性——摘要——高級；這里記載著圖片的幾乎所有的信息，可以看它有沒有被某些P圖軟體該過~這里的信息是不會被人為的修改的
3. 怎麼辨別照片的真假
呀
隨著老照片收藏熱的興起，假冒偽劣老照片也開始在社會上流行。那麼如何判斷老照片的真偽呢？
仝冰雪先生認為，要判斷一張影像是照片還是印刷品或其它畫像等，主要是看有沒有泛銀現象。因為老照片感光劑和印製工藝的特性，經過幾十甚至上百年的存放，老照片在光線下，側面看，都會有局部泛銀現象，而印刷品不會有此現象。具體有以下五種辨別真偽的方法。
第一、看相紙。1890年之前的照片，除了銀版和鐵版等硬版照片外，基本都是蛋白照片，就是用蛋清混合感光劑塗在很薄的普通紙上印製的，這種紙很薄，但大部分照片都會貼在一個硬紙版上。蛋白照片，經過一百多年的保存，一般看不到有光澤，顏色發清，或發黃。一般來說國外攝影師拍攝的發清，中國攝影師拍攝的發黃，主要是當時中國攝影師定影技術不過關的緣故。
1890年以後的基本為銀鹽照片，但前期的相紙（1910之前）顏色發清，較厚，而1910年之後的相紙紙基才較白。
第二、看清晰度。原版照片是從底版直接印製的，清晰度很高。而翻拍的照片清晰度都會大大下降。一般來說，仔細觀察，這些翻印的照片在照片里都會有一些水印或者劃痕，這是因為翻拍之前的照片在存放過程中引起的。翻印或翻拍的照片收藏價值大大降低。
第三、看尺寸。清代照片最長不會超過30厘米。一般來說，1880年前的蛋白照片都是25X20厘米左右，1880年到1890年的蛋白照片稍大一些，而民國後隨著擴印技術的發展才有了大照片。清代的全景照片都是一張一張照完後手工拼接的，直到1910年後才見到轉機的照片。
第四、看劃痕和裂痕。早期的照片，不論是銀版、鐵版還是常見的蛋白照片，是在紙上塗了一層感光劑顯影而成的影像，經過多年的存放，由於外界溫度的不斷變化，以及存放地點的不斷變換，照片感光劑層都會產生細小的劃痕或裂痕，尤其用放大鏡觀察就會更明顯。
後來的銀鹽照片雖然感光劑和紙基是一體的，但存放時間長了，整個紙基也會有裂痕或者劃痕。而那些利用化學方法作偽的老照片用放大鏡或側著逆光看則很光滑，不會有裂痕或劃痕。
第五、看內容。從照片的內容來判斷照片的拍攝年代，拍攝者等。這個鑒別，需要鑒定者有豐富的歷史知識。需要收藏者積累相關知識才能做到。
4. 攝影圖片分析從哪幾個方面著手寫
攝影圖片分析從內容和形式兩個方面分析，內容依存於形式，形式為內容服務。
1、作品的內容
（1）主題指向
作品表達出了一個什麼樣的主題，傳達了一種什麼樣的思想。
（2）時代背景
知名畫面反映了一種什麼樣的社會現象，有沒有典型意義，可以挖掘出畫面隱含著的信息。
（3）情節定義
點明畫面中所包含的情節要素，任何畫面都是一定的情節過程的某一個定格，在其前後肯定有一個情節鏈，評析時可以設想畫面所表述的情節點前後的情節，看畫面情節表述是否有典型性
（4）情緒感受
任何畫面總是表達了作者對生活的體驗，表達了作者的情緒感受，可以根據畫面內容，看看它表現了什麼情
（5）意境韻致
畫面中能看到的時形象，看不到的是意蘊，畫面形象激發觀者的思想和聯想，營造出升華畫面的意境。
註：時代背景和情節意義在不知道的情況下就不要寫，切勿自己編造。
2、作品的形式
（1）構圖
包括黃金分割構圖，框架式構圖，開放式構圖等等。根據自己所學的攝影知識進行運用
（2）用光
可以從光型、光位、光質、光比的方面進行分析。
（3）色彩
對於彩色照片來說，色彩尤為重要，色彩可以突出主體、烘托氣氛等等作用。黑白照片主要從影調進行分析。
（4）細節
畫面的形成可能會有深層的意義，體現出了作者、觀者以及考生對現實世界或作品的觀察力。
（5）景別
特寫-近景-中景-全景-遠景，作者採取的是哪種景別拍攝。
(4)怎樣看照片的知識擴展閱讀
圖片分析注意事項
1、論點明確，要有基本的評價，明確、在理乃至見解獨到，同時不要求面面俱到，可以從某一角度切入。
2、結構嚴謹，按藝術評論的筆法，脈絡清晰，言之有理，言之有物、言之有序，並應該舉例論證。
3、文筆流暢，使用攝影術語正確，不堆砌亂用術語。
4、字跡工整，卷面整潔。
5、要杜絕面面俱到，無側重點，無段落層次，無條理次序的隨想式評論。
5. 怎麼分辨照片真假
你好呀
隨著老照片收藏熱的興起，假冒偽劣老照片也開始在社會上流行。那麼如何判斷老照片的真偽呢？
仝冰雪先生認為，要判斷一張影像是照片還是印刷品或其它畫像等，主要是看有沒有泛銀現象。因為老照片感光劑和印製工藝的特性，經過幾十甚至上百年的存放，老照片在光線下，側面看，都會有局部泛銀現象，而印刷品不會有此現象。具體有以下五種辨別真偽的方法。
第一、看相紙。1890年之前的照片，除了銀版和鐵版等硬版照片外，基本都是蛋白照片，就是用蛋清混合感光劑塗在很薄的普通紙上印製的，這種紙很薄，但大部分照片都會貼在一個硬紙版上。蛋白照片，經過一百多年的保存，一般看不到有光澤，顏色發清，或發黃。一般來說國外攝影師拍攝的發清，中國攝影師拍攝的發黃，主要是當時中國攝影師定影技術不過關的緣故。
1890年以後的基本為銀鹽照片，但前期的相紙（1910之前）顏色發清，較厚，而1910年之後的相紙紙基才較白。
第二、看清晰度。原版照片是從底版直接印製的，清晰度很高。而翻拍的照片清晰度都會大大下降。一般來說，仔細觀察，這些翻印的照片在照片里都會有一些水印或者劃痕，這是因為翻拍之前的照片在存放過程中引起的。翻印或翻拍的照片收藏價值大大降低。
第三、看尺寸。清代照片最長不會超過30厘米。一般來說，1880年前的蛋白照片都是25X20厘米左右，1880年到1890年的蛋白照片稍大一些，而民國後隨著擴印技術的發展才有了大照片。清代的全景照片都是一張一張照完後手工拼接的，直到1910年後才見到轉機的照片。
第四、看劃痕和裂痕。早期的照片，不論是銀版、鐵版還是常見的蛋白照片，是在紙上塗了一層感光劑顯影而成的影像，經過多年的存放，由於外界溫度的不斷變化，以及存放地點的不斷變換，照片感光劑層都會產生細小的劃痕或裂痕，尤其用放大鏡觀察就會更明顯。
後來的銀鹽照片雖然感光劑和紙基是一體的，但存放時間長了，整個紙基也會有裂痕或者劃痕。而那些利用化學方法作偽的老照片用放大鏡或側著逆光看則很光滑，不會有裂痕或劃痕。
第五、看內容。從照片的內容來判斷照片的拍攝年代，拍攝者等。這個鑒別，需要鑒定者有豐富的歷史知識。需要收藏者積累相關知識才能做到。
6. 誰能告訴我一些關於攝影的基本知識
http://www..com/s?wd=%C9%E3%D3%B0%B5%C4%BB%F9%B1%BE%D6%AA%CA%B6&cl=3
http://www.mhbz.com/Article/photo/shi/5898.html
7. 照片真假怎麼看的出來
第一點！首先自己要有主觀！ 一些PS高手能把不可能做成可能！ 而一些 真的圖片 往往有些人認為是假的而假的圖片他們認為是真的！ 所以最主要的還是看你自己 比如說 別人做個鬼，（網上有很多靈異圖片）難道你認為是真的？即使你做的很完美 那也是不可能的！ 現在PS 高手多的是！ 一些圖片往往都被以假亂真很難分辨！ 我覺得還是評個人主觀吧！ 第二點PS 做的怎麼好他有時候還是會有缺陷的 主要你看圖片合成的連接處！ 連接處總是回有顏色上的差距 陰影之類的！
8. 攝影基本知識
攝影是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程， 一般我們使用機械照相機或者數碼照相機進行攝影。 有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光線使感光介質曝光的過程。
英文攝影 Photography 一詞是源於希臘語 φως phos（光線）和 γραφις graphis（繪畫、繪圖）或γραφη graphê，兩字一起的意思是「以光線繪圖」。是指使用某種專門設備進行影像記錄的過程，一般我們使用機械照相機或者數碼照相機進行攝影。有時攝影也會被稱為照相，也就是通過物體所反射的光線使感光介質曝光的過程。有人說過的一句精闢的語言：攝影家的能力是把日常生活中稍縱即逝的平凡事物轉化為不朽的視覺圖像。
一般簡稱的攝影，即是用照相機，映像在底片，沖印底片成為單一相片，一張張作永久保存。但相片的影像是不動、無聲，僅供人觀賞其人物、意境，進而體會其涵義。
今天世界上仍存留最早的一張照片可以追溯至1827年，出自法國人約瑟夫‧尼埃普之手。
曝光過程
在進行照相時，光通過小孔（更多時候是一個透鏡組）進入暗盒，在暗盒背部（相對於光入射方向）的介質上成像。根據實際光強度和介質感光能力的不同，要求的光照時間也不同。在光照過程中，介質被感光。
後期製作
照相進行完成後，介質所存留的影像信息必須通過轉換而再度為人眼所讀取。具體方法依賴於感光手段和介質特性。對於膠片照相機，會有定影，顯影，放大等化學過程。對於數碼照相機，則需要處理器對數據進行計算，再通過電子設備輸出。
所用設備
一般來講，人們使用可見光照相，最常用到的是照相機。因場景和用途的不同，照相機有著非常多的分類。綜合來講，照相機都要有幾個基本的部分以保證暴光過程，這包括：感光介質、成像透鏡、曝光時間控制機構、膠卷暗盒、存儲介質。
記錄攝影
攝影之所以誕生，就是為了記錄的目的。它誕生之後所顯示出來的強大的生命力，也恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術所無法比擬或取代的。因此，從廣義上說，攝影就是記錄。
藝術攝影
隨著攝影的發展，人們在攝影中不斷地增加藝術的元素，開始產生藝術攝影。它與記錄攝影的區別在於藝術性的多少與高低，而無絕對的界限。例如：我們去照張像作身份證或留個紀念，一般照相館拍攝的照片，最多有點資料或記錄價值。可是，鄭景康先生給齊白石先生拍的人像，50年過去了，至今仍是世界二十幅最優秀的人像作品之一。其中的差別完全在於藝術性的高低。
畫意攝影
畫意攝影以其唯美的畫面語言及美好的設計內涵一直是人像攝影的一種重要的表達方式。自攝影術發明至今，可以說，畫意攝影一直貫穿其中，並且在攝影發展史上起了幾個里程碑的作用。十九世紀後半頁，英國攝影家雷蘭達拍攝出了曾被預言為「攝影新時代來臨了」的作品-----《人生的兩條路》，在攝影還被輕視的當時，這幅作品以其勸勉性的主題和油畫式的構圖，受到了維多利亞女王的極高評價。可以這樣說，雷蘭達對推進攝影被承認為一們藝術功不可沒。從此，畫意攝影也逐漸成為攝影藝術中的一個重要流派。
全息攝影
全息攝影是指一種記錄被攝物體反射波的振幅和位相等全部信息的新型攝影技術。普通攝影是記錄物體面上的光強分布，它不能記錄物體反射光的位相信息，因而失去了立體感。全息攝影採用激光作為照明光源，並將光源發出的光分為兩束，一束直接射向感光片，另一束經被攝物的反射後再射向感光片。兩束光在感光片上疊加產生干涉，感光底片上各點的感光程度不僅隨強度也隨兩束光的位相關系而不同。所以全息攝影不僅記錄了物體上的反光強度，也記錄了位相信息。人眼直接去看這種感光的底片，只能看到像指紋一樣的干涉條紋，但如果用激光去照射它，人眼透過底片就能看到原來被拍攝物體完全相同的三維立體像。一張全息攝影圖片即使只剩下一小部分，依然可以重現全部景物。全息攝影可應用於工業上進行無損探傷，超聲全息，全息顯微鏡，全息攝影存儲器,全息電影和電視等許多方面。
1.繪畫主義攝影
繪畫主義攝影是勵行於二十世界初攝影領域的一種藝術流派，它產生於十九世紀中葉的英國。
該派攝影家在創作上追求繪畫的效果，或「詩情畫意」的境界。它大致經歷了這樣三個階段：仿畫階段；崇尚曲雅階段；畫意階段。
繪畫主義攝影家提出，「應該產生攝影的拉斐爾和攝影的提茨安。」
繪畫主義攝影經歷了較長的發展時期，第一個繪畫主義攝影菜是英國畫家希路（1802-1870），他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型優雅。1851年至 1853年，是繪畫主義攝影的成長時期。1869年，英國攝影家HP羅賓森（1830-1901）發表了攝影的畫意效果一書，他提出：「攝影家一定要有豐富的情感和深入的藝術認識，方足以成為優秀的攝影家。無疑的，攝影術的繼續改良和不斷發明啟示出更高的目標，足以令攝影家更能自由發揮；但技術上的改良並非就等於藝術上的進。因為攝影本身無論如何精巧完備，還只是一種帶引到更高的目標而已。」為該派奠定了理論基礎。
1857年，OG雷蘭德（1813-1875）創作了一幅由30餘張底片拼放而成的、具有文藝復興風格的作品：兩種生活方式，標志著繪畫主義攝影藝術上的成熟。
這一時期的作品，其題材大都富有宗教色彩，含有一定的規喻性。拍攝時，預告打好草圖，然後利用模特兒、道具，組織和安排場面，並通過暗房加工而成。追求照片畫面的繪畫效果。
隨後，繪畫主義攝影的內容有所擴大，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍具學院派的法則，因而顯得儲蓄、沉表、典雅。
當該流派發展到畫意階段時，追求作品的情感、意境和形式的美，依舊是它的特點。
由於繪畫主義攝影家強調藝術修養：「如果想要使攝影在藝術上有地位，攝影家就必須首先培養起審美的能力和育實藝術的修養。」所以其歷史功績是把攝影從初期機械地摹寫對象引導到造型藝術的領域中去，促使了攝影藝術的發展。
由於繪畫主義的創作大都脫離現實生活，加上攝影器材的日益改善，人們早美趣味的不斷發展，為「自然主義」所沖擊。盡管這樣，在今天的攝影藝術殿堂中，仍有它的席位。
這一流派的主要攝影家和作品有：普萊期（?-1896）的男爵之宴、魯賓遜漂流記、寶塔情景；羅賓林的當一天工作完了的時候、秋天、兩個小姑娘、彌留、拿著毒葯瓶的朱麗葉、黎明和落日；雷蘭德洗禮者聖約朝霞之首、伊菲吉尼亞、優迪特與荷羅佛尼斯；金馬倫夫人（1815-1897）的湯姆士卡萊爾和尼達（1820-1910）的彌留之際的囂俄等等。
2.印象派攝影
1899年，英國舉辦了法國印象派繪畫的首次展覽。繪畫主義派攝影家羅賓森在其影響下，提出「軟調攝影比尖銳攝影更優美」的審美標准，提倡「軟調」攝影。該流派是繪畫印象派在攝影藝術領域中的反映。
開始，他們運用軟焦點鏡頭進行拍攝，布紋紙洗印，追求一種模糊朦朧的藝術表現效果。隨著「溴化銀洗相法」和在顏料中混入重鉻酸膠洗相紙法的出現，印象派作品從對鏡頭成象的控制發展到暗房加工。他們提出「要使作品看起來完全不象照片」，並且認為「假如沒有繪畫，也就沒有真正的攝影。」
在這種理論指導下，印象派攝影家還用畫筆、鉛筆、橡皮在照片畫面上加工，特意改變其原有的明暗變化，追求「繪畫」的效果，如拉克羅亞在一九零零年創作的《掃公園的人》，就象是一幅畫在畫布上的炭筆畫。印象派攝影家使自己的作品完全喪失了攝影藝術自身的特點，所以有人又把它稱之為「仿畫派」。可以說它是繪畫主義攝影的一個分支。
這一流派的藝術特色是調子沉鬱，影紋粗糙，富有裝飾性，但缺乏空間感。其著名攝影家有杜馬希（?-1937）、普約（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦采克（1848-1903）、霍夫梅斯特兄弟（1868-1943;1871-1937）、杜爾柯夫（1848-1918）、埃夫爾特（1874-1948）、米尊內（1870-1943）、辛吞（1863-1908）、奇里（1861-1947）等。
3.寫實攝影
寫實攝影是一種源遠流長的攝影流派，延綿至今，仍是攝影藝術中基本的、主要的流派。它是現實主義創作方法在攝影藝術領域中的反映。
該流派的攝影藝術家在創作中恪守攝影的紀實特性，在他們看來，攝影應該具有「與自然本身相等同」的忠實性，畫面中的每一個細節，只有具有「數學般的准確性」，作品才能發揮他種藝術媒介所不具有的感染力和說服力。A·斯蒂格利茨曾說：「只有探討忠實，才是我們的使命。」另一方面，他們又反對象鏡子那樣冷漠地、純客觀地反映對象，主張創作應該有所選擇，對所反映的事物應該有藝術家自己的審美判斷。著名寫實攝影大師劉易斯·海因就說過這樣的名言：「我要揭露那些應加糾正的東西；同時，要反映那些應予表揚的東西。」可見他們崇尚藝術應該「反映人生」的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大都取於社會生活。藝術風格質朴無華，但具有強烈的見證性和提示力量。
最早的寫實攝影愛好當推英國攝影家菲利普·德拉莫特於1853年拍攝的那些火棉膠紀錄片。稍後，則是羅斯·芬頓的戰地攝影和六十年代末的威廉·傑克遜的黃石奇觀。1870年以後，寫實攝影漸趨成熟，開始把鏡頭轉向社會，轉向生活。如當時的攝影家巴納多博士就拍攝了流浪兒童的悲慘境遇，而震動了人們。
由於寫實攝影愛好所具有的巨大的認識作用和非凡的感染力，逐漸在新聞領域中占據了自己的地位。九十年代美國攝影家雅谷布·里斯關於紐約貧民窟生活的那些作品，就是這方面的奠基作品。
隨後，寫實攝影家人才輩出，作品都以其強烈的現實性和深刻性而著稱於攝影史。例如英國勃蘭德的《拾煤者》；美國R·卡帕的《通故的法國女人被剃光頭遊街》；法國韋絲的《女孩》等等，不勝枚舉。
4.自然主義攝影
1899年，攝影家彼得·亨利·愛默生鑒於繪畫主義創作的弱點，發表了一篇題為《自然主義的攝影》的論文，抨擊繪畫主義攝影是支離破碎的攝影，提倡攝影家回到自然中去尋找創作靈感。他認為，自然是藝術的開始和終結，只有最接近自然、酷似自然的藝術，才是最高的藝術。他說，沒有一種藝術比攝影更精確、細致、忠實地反映自然，「從感情上和心理上來說，攝影愛好的效果就在於感光材料所記錄下來的，沒有經過修飾的鏡頭景象。」該派另一位大師A·L·帕邱說得更明確：「美術應該交給美術家去做，就我們攝影來說，並沒有什麼可借重美術的，應該從事獨立性的創作。」
由此可見，這種藝術主張，是對繪畫主義的反動，它促使人們把攝影從學院派的桎梏中解脫出來，對充分發揮攝影自身特點有著促進作用。
這一流派的創作題材，大都是自然風光和社會生活。
由於自然主義攝影滿足於描寫現實的表面現實和細節的"絕對"真實，而忽視對現實本質的挖掘和對表面對象的提煉，一句話，不注意藝術創作的典型化和藝術形象的典型性，因而，它實質上是對現實主義的庸俗化。有時會導致對現實的歪曲。
這一派著名的攝影家有德威森（1856-1930）、威爾欽遜（1857-1921）、葛爾（?-1906）、搔耶（1856-?）、薩特克利夫（1859-1940）等。
5.純粹派攝影
純粹派攝影是成熟於二十世紀初的一種攝影藝術流派。其創導者為美國攝影家斯蒂格里茲（1864-1946）。他們主張攝影藝術應該發揮攝影自身的特質和性能，把它從繪畫的影響中解脫出來，用純凈的攝影技術去追求攝影所特具的美感效果－－高度的清晰、豐富的影調層次、微妙的光影變化、純凈的黑白影調、細致的紋理表現、精確的形象刻畫。總之，該派攝影家刻意追求所謂的「攝影素質」：准確、直接、精微和自然地去表現被攝對象的光、色、線、形、紋、質諸方面，而不藉助任何其他造型藝術的媒介。
科班1913年送展的俯瞰紐約，就是純粹派中的佳作。攝影家從高處俯瞰紐約某個廣場，雖沒有任何加工、修飾，但新穎的構圖，獨特的造型，使人耳目一新，再如E斯坦誠的K桑德伯格，則是用多次曝光的手法，了獨幅作品空間、時間的限制，在一個畫面中細膩地刻畫了詩人情緒的轉換，影調的組合和構圖的變化，極有韻律感。
從某個角度說，純粹派的某些主張和創作是形式主義和自然主義的「混血兒」，後來則衍變成「新即物主義」。但該流派在一定程度上曾促進了人們對攝影特性和表現技巧的探索和研究。
這一流派的著名攝影家是斯特蘭德（1890-？）和Group f 6.2攝影組織中的青年攝影家，如亞丹斯、根令翰等。
純粹派後期的作品則向線條、圖案和歪曲形象的抽象方面發展，其有影響的攝影家是亞博、史丁納、史脫特文和伊凡思等。
6.新即物主義攝影
新即物主義攝影又稱「支配攝影」、「新現實主義攝影」。為本世紀二十年代出現的一種攝影藝術流派。
該流派的藝術特點是在常見的事物中尋求「美」。用近攝、特寫等手法，把被攝對象從整體中「分離」出來，突出地表現對象的某一細部，精確如實地刻畫它的表面結構，從而達到眩人耳目的視覺效果。它不考慮藝術的本質在於提示對象的本質，因而其美學思想是屬於自然主義范疇的。例如，攝影家帕邱在一九二三年拍攝的火車頭的回轉軸就是用近攝手法，表現了火車頭回轉軸運轉時的狀態，由於畫面摒棄了其他細部因而給予觀眾的視覺印象是強烈的。
新即物主義的理論先驅是斯特蘭德，他對即物主義藝術特徵作了如下規定：「新即物主義乃是攝影的本質，並且也是攝影的產物和界限。」他認為，攝影「對生命的表現極強，而且需要觀察正確事物的眼睛。為此，並非根據敷衍的過程和操作方法，而是必須運用純凈的攝影術才行。」新即物主義攝影的創作先驅則是阿傑和斯泰肯。而實際創始者為上面提到的帕邱。
帕邱反對攝影依賴於繪畫，他強調攝影藝術必須依靠攝影的自身特性，認為攝影的審美價值隱藏在自身的特性里，只有充分發揮攝影的自身特性才能創造出美，他說：「繪畫應該隨便由畫家去畫，只有根據固有的特質，才能創造出可以自立的攝影，沒有任何東西是從繪畫所借用的」。
新即物主義攝影家的功績是促使人們對攝影自身特性的研究和探索，把攝影從審美性的虛幻世界中拉回到現實生活中來。但是，由於過分強調了細部物質表面結構的描寫，為後來的抽象主義攝影提供了萌發的土壤。
一九二五年前後，由於出現了大口徑的小型照相機，新即物主義的表現領域有了新的發展，產生了不少人像作品及反映社會生活和自然風光的作品。
新即物主義的著名攝影家有桑德（1876-1964）、勒斯基（1871-1956）、黑葛（1893-1955）、希爾夏（1881-1948）休利曼·霍培（1878-?）、埃夫特（1874-1948）、威斯吞·亞當斯（?-1902）等。
7.超現實主義攝影
超現實主義攝影為達達派沒落時期出現於攝影藝術領域中的一種流派，興起於本世紀三十年代。
這一流派有著較為嚴謹的藝術綱領和藝術理論。他們認為，用現實主義創作方法去表現現實世界是古典藝術家早已完成了的任務，而現代藝術家的使命是挖掘新的、未被探討過的那部分人類的「心靈世界」。因而，人類的下意識活動，偶然的靈感、心理變態和夢幻便成了超現實主義攝影藝術家們刻意表現的對象。
攝影中的超現實主義者也象達達派攝影家一樣，利用剪刀、漿糊、暗房技術作為自己主要的造型手段，在作品畫面上將景象加以堆砌、拼湊、改組，把具體的細部表現和任意的誇張、變形、省略和象徵的手法結合在一起，創造一種現實和臆想、具體和抽象之間的超現實的「藝術境界」。所以其效果是奇特、荒誕而又神秘的。
該流派的創始人是英國攝影家絲頓和美國的布留奎爾（1880-1945）。真正完成者為英國舞台攝影家馬可賓（1905-?），他在自己的創作中，把"超現實"的虛和現實中的實揉合在一起，創造了一種既虛幻又實在的境界。例如，他在一九四六年創作的《馬可賓的自畫像》就是一幅很典型的超現實作品，它是運用四次曝光的手法拍攝出來的－－一次正面，兩次側面和一次一隻眼睛。
這一流派的著名攝影家有從事超現實主義集錦照片的畫家帕爾汗；變形人體攝影家布蘭特；肖像兼宣傳攝影家卡遜以及布魯門塔爾、洛林、哈爾斯曼、賴依等。
8.抽象攝影
抽象攝影為第一次世界大戰後出現的一種攝影藝術流派。
該流派的攝影家否定造型藝術是以可審視的藝術形象來反映生活、表現藝術家審美感受的這一基本特性，宣稱要把攝影"從攝影里解放出來"。
初期，用無底放大法省略去「被攝體」的細部紋理和豐富影調，製作成僅表現其形狀的「光圖畫」。後來發展到或運用光線，或剪輯集錦，或中途曝光，或拍攝時震動照相機使被攝體形象在底片中的結象模糊，或多次曝光使之重影，直到改變畫面的表面結構，改變被攝物體的原有形態和空間結構，力圖使用所謂形式、影調（色彩）和素材的「絕對抽象的語言」，使被攝物體轉變成某種不能辨認為何物的線條、斑點和形狀的結合體。以表現該派藝術家奉為圭臬的所謂人類最真實、最有本質力量的潛意識世界。在作品中，被攝物體只不過是被藝術家借來隨心所欲地產生表現自身想像和個性「旋律」的音符。
抽象攝影的發軔者為泰爾博（1800-1877）。開始時，作品畫面仍保持一定程度的可辨認性。至一九一七年攝影家科班（1882-?）用木片和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》就已完全不可辨認了。一九二二年，匈牙利抽象畫家莫荷利納基（1895-?）在曼瑞（1890-?）等人的基礎上加以發展，並從理論上予以確立。隨後，抽象畫家康丁斯基、克勒等引進了顯微攝影和X光攝影，從而大大擴大了抽象派攝影的表現范圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體系，並風行於歐美等國。
該流派的代表人物，除文中已提及的外，尚有史格特、芬寧格、安真蘭特、佛萊泰、溫隙斯特、格連巴晤、夏德和布留奎爾等。
9.堪的派攝影
堪的派攝影是第一次世界大戰後興起的、反對繪畫主義攝影的一大攝影流派。
這一流派的攝影家主張尊重攝影自身特性，強調真實、自然，主張拍攝時不擺布、不幹涉對象，提倡抓取自然狀態下被攝對象的瞬間情態。法國著名的「堪的」派攝影家亨利·卡笛爾·布列松說過：「對我來說，攝影就是在一瞬間里及時地把某一事件的意義和能夠確切地表達這一事件的精確的組織形式紀錄下來。」因而這一流派的藝術特色是客觀、真實、自然、親切、隨便、不事雕琢、形象生動而富有生活氣息。
「堪的」派中的攝影家，就其美學思想和創作傾向而言，情況是比較復雜的，雖然他們都崇尚人性世態的表現，且大部分都從事於新聞攝影工作，但有的為自然主義者，有的為寫實主義者。
該流派的催生作品是一八九三年攝影家阿爾弗雷德·斯迪格的《紐約第五街之冬》，而真正完成者則是德國的攝影家埃利克·沙樂門博士。他用小型相機在一次德法總理舉行的夜間會議結束時拍攝的《羅馬政治會議》，由於它的生動、真實、朴實、自然，而成為該流派名垂攝影史的經典作品。
在攝影美學上，他們認為「以攝影的基本特點為基礎的照片，是畫家或蝕刻家所無法模仿的，它具有它自己的不可分割的我，具有自己特殊的表現力，甚至是用其他媒介不可能表現出來的特性」。其次，對客觀事物的表現，他們重視和強調獨創性，說：「（攝影家要用）自己的眼光來看世界，不要通過別人的眼光來看世界，而這正是區分照片是平庸還是高明，有價值還是沒有價值的標准。」
該派著名的攝影家有美國的托馬斯·道韋爾·麥阿沃依；英國的茜莉特·摩戴爾；法國的維克托·哈夫門；以及路易斯·達爾·沃爾夫、彼得·斯塔克彼爾·布魯維奇等等。
10.「達達派」攝影
「達達派」是第一次世界大戰期間出現於歐洲的一種文藝思想。「達達」，原為法國兒童語言中「小馬」或「玩具馬」的不連貫語匯。因為達達主義藝術家在創作中否定理性和傳統文化，宣稱藝術和美學無緣，主張「棄繪畫和所有審美要求」，崇尚虛無，使創作近乎戲謔，因而人們把該藝術流派稱之為「達達派」。
在這種藝術思潮影響下，攝影藝術領域中也產生了「達達派」。著名攝影家哈爾斯曼創作過一幅蒙娜麗莎，她那雙豐滿的手在這里不僅變成了青筋暴突，汗毛叢生，而且還塞滿了鈔票。真可謂荒誕無稽，不倫不類。
達達派攝影藝術家的創作，大都是利用暗房技術進行剪輯加工，創造某種虛幻的景象來表達自己的意念。例如LM納基的勒達和天鵝，把一個美麗的希臘神話故事，處理成某種晦澀怪誕、不可捉摸的圖像與線條的組合。在畫面中，可視形象已不再以其自身的意義存在，而只是某種意念的構成元素。還有人用翦輯的手段，使尼亞加拉大瀑布湧向紐約，製造了一個荒廖的世界末日的姜閔景象。
由於達達派攝影藝術作品不符合人們一般的審美趣味和審美要求，1924年以後就逐漸受到有較明確、完整的藝術豆腐和綱領的超現實主義藝術流派的沖擊。但其影響仍可在以後出現的現代派攝影藝術中窺見。
達達派的著名攝影家有菲利普哈爾斯曼、摩根、拉茨羅摩荷利納基和利斯特基等。
11.主觀主義攝影
主觀主義攝影是一種在第二次世界大戰後形成的比抽象派攝影更為「抽象」的攝影藝術流派，所以又稱作「戰後派」。
它是存在主義哲學思潮在攝影藝術領域中的反映。其創始人是德國攝影家奧特·斯坦內特。他認為，「攝影是本來具有發揮自己能力的寬闊領域，也具有高度的主觀能動作用。但目前卻成了一種機械的寫實主義」。於是提出了「攝影藝術主觀化的藝術主張。極力主張攝影藝術的終極應該是提示攝影家自身的某些朦朧意念和表現不可言傳的內心狀態和下意識活動。」主觀攝影就是人格化、個性化的攝影。這便是該流派的藝術綱領。主觀攝影的藝術家們極度強調自己的創造個性，蔑視一切已有藝術法則和審美標准。該派理論家公開表示，「主觀攝影不僅僅是一種試驗性的圖像藝術，而是一種自由的不受限制的創造性藝術。」「我們可以任意使用技術手段去創造照片。」
其特點是：
1 畫面有「具象」和「抽象」兩種不論何種造型形式，自我意念的表現是其最終目的。畫面中的一切只不過是攝影家表現自我的「載體」而已。
2 充分利用鏡頭的透視特性，把被攝體從現實中"剝離"出來，「移」到畫面上去，－－即使用鏡頭的某些光學性能，把客觀的物體加以改造，使之成為意念的「物化體」，從而在畫面中組合成創造出自己的「世界」。而這世界往往是荒誕、神秘的，或者是令人百思而不得其解的。
3 利用近攝手段清晰而又強烈地強化和突出表現物體的某一細部形態。
4 運用暗房技法，把被攝對象原有的豐富影調簡化，將自然、平凡的關系轉換成強烈的視覺關系。
5 利用曝光手段（如多次曝光、連續閃光），使被攝體從時間概念中分離出來，能動地把時間概念和空間位置加以調換。
其著名的攝影家除奧特、斯坦內特以外，還有傑·施莫爾、肖·范歐坎、蘭·佩恩、莫·弗克爾特等。
9. 手機攝影入門基礎知識有哪些
一、快門速度（S）
快門速度就是鏡頭從打開到關閉的時間，拍攝運動的物體快門速度要快不然就會模糊，拍攝運動軌跡快門速度就要慢不然就看不到軌跡。
二、感光度（ISO）
感光度是指鏡頭對光的敏感程度，光線不足的地方感光度要適當提高，但是又不能太高，不然畫面噪點很多，最好控制在400以下。
三、曝光補償（EV）
曝光補償是指人為的給畫面加光或者減光操作，比如拍雪景時由於雪對光線的反射機器會認為環境很亮，會自動降低曝光拍出的雪是灰色的，這時候就需要人為增加曝光補償再拍恢復雪的白色。
四、橫豎三分線
就是將一些物體、分界線放在畫面的三分線位置，而不是放在兩分線上，兩分線給人刻板、不舒服的視覺感受。
五、中心點
這是一種不需要學就知道的構圖方法，沒學過攝影的一般都是把主體放在畫面中間進行拍攝，不過即使學了攝影，這依然是一種常用的構圖方法，因為中心點就是視覺中心。