❶ 怎么找巴赫创意曲的主题，复调是什么主题是什么（钢琴）详细点！急！
复调音乐（polyphony music）
【复调音乐】“主调音乐”的对称。多声部音乐的一种，旧称对位。
它是以两个、三个或四个在艺术上有同等意义的各自独立的曲调，前后叠置起来，同时协调地进行为基础。在横的关系上，各声部的节奏、力度、强音、高潮、终止、起讫以及旋律线的起伏等，不尽相同而且各自有其独立性；在纵的关系上，各声部又彼此形成良好的和声关系。原指由几个声部构成的多声部音乐，相对于单声部音乐而言；后指按照对位法则结合在一起的多个旋律性声部的音乐，相对于主调音乐而言。复调音乐注重每个声部的旋律性，声部间形成对比或相互补充，没有主次之分。复调音乐最早产生于9世纪的西欧，奥尔加农为其最早形式发展至15世纪后半期～16世纪达到高峰，可谓其黄金时代，杰出代表为帕莱斯特里纳的无伴奏合唱；到18世纪，在复调音乐创作在结构、技法上趋于完善的情况下，J．S巴赫将器乐赋格曲形式发展至极，树立了器乐复调音乐技术的典范；进入18世纪后半叶，复调音乐的主导地位开始逐渐被主调音乐代替。重要的复调音乐体裁有经文歌、轮唱曲、复调弥撒曲、卡农、复调尚松、坎佐纳、赋格曲等。
分类
⑴用对比方法所写的复调音乐称“对位音乐”，简称“对位”，即对位式的复调音乐。如钢琴独奏曲《牧童短笛》；
⑵以模仿的方式为基础所写的复调音乐，通称“卡农”，即二部、三部、四部的轮唱或轮奏。如《黄河大合唱》中的四部轮唱曲《保卫黄河》；德国作曲家，管风琴大师帕赫贝尔（JohannPachelbel，-1706）脍炙人口的《D大调卡农》。
⑶用衬托的方法所写的复调音乐，称“支声复调”或“衬腔式复调”。在民族民间音乐中，常用衬托、填充、呼应、加花等手法，使音乐更为丰富多彩。最着名的作品集是巴赫的《赋格的艺术》，这套作品可以称为赋格曲的圣经。我国的作品有侗族民歌《向阳花开朵朵红》，女声二重唱《遵义会议放光辉》等。
简单说复调就是一段旋律通过不同音阶、变调弹奏出来，使作品像是两个或多个人在唱和，具有立体感和层次感，上述作品可以找了听听看就知道了。
关于巴赫的音乐你去书店里找找，应该有相关书籍呢。
音乐的主题是作曲家的主要思想，主要通过作品来表达的情绪、情感，不管一部作品多宏达，有多少乐章变化，他总是有一个主题，或者悲伤，或者欢乐，或急躁，或宁静，有可能是在第一章就表现出来，有可能要在三四章才慢慢固定，不过也很容易听得出来。
❷ 我现在在弹巴赫三部创意的第13条，我想知道，主题、对题、答题分别是什么意思，然后这个练习里的主题、
主题、对题、答题实际上是赋格曲式里的元素，创意曲里也有出现一些类似的因素。
巴赫三部创意曲的第二首，主题句的重复音无论在那一个声部出现都要把前一个音弹的长一些，这样句子才能够连贯。
第二拍到第三拍，第五拍到第六拍是五度音程呈上升趋势，使音乐有一种舒展的感觉，三声部的出现在一些地方是以高音保留、低声部插入为形态的。
巴赫三部创意曲的第十一首，在弹奏时要注意中声部的旋律是以双手交替来完成的。为了使音乐的线条清晰，练习时可以先单手进行，而后再将这个句子自然从容的弹出，在这种地方要认真倾听两手衔接处力量是否均匀自如。
巴赫三部创意曲的第十五首就是以三种不同的素材组合而成的。左手是很连贯的歌唱性旋律，右手的小短句如同伴奏音型一样，三个音一组弹奏时，要把前两个音连起来后一个音断开，听起来生动、典雅。
第三小节是分解和弦琶音的华彩句，要弹的干净、明亮，万万不可弹成连音。整首曲子都是以这三种音型交替、穿插变化发展而成的。只要把握住这一点，就可以使曲子弹的生动活泼。
❸ 转贴：如何弹好巴赫作品
一、 速度：它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏巴赫作品（平均律）中速度应当和当时的乐器（如：击弦古钢琴等等）相吻合，与当时的时代相吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代， 如果在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不和适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。 二、节奏：巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快地节奏。 巴赫作品从开始到结束，都应处在一个基本节奏之中。 三、触键：钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时，触键应和巴赫作品的风格相一致。 一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿击弦古钢琴上清脆效果比较合适。 而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连接要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满， 这样才能获得古朴典雅的音响效果。 四、线条：这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏巴赫的复调作品前，应该对线条有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能象浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但是一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会令人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格结束时都去做渐慢，那也太呆板了。 我认为一首歌唱性的、宽广流畅的赋格曲比一首欢乐性的轻巧赋格曲更适合于在结尾处做渐慢。 五、力度变化：总的来说， 巴赫作品的力度变化幅度较小，基本趋与平稳。 六、声部：平均律属于复调作品，即多声部音乐作品。我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。 在练习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出， 而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。 但是，在控制中，每一个声部又应当是清楚、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。 七、踏板：它在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上却是极为重要和极难把握的，由于踏板没用好而导致弹奏失败的例子随时可见。巴赫的作品中，踏板用多了会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损与巴赫的风格。我认为踏板的运用应当根据乐曲来决定，比如在弹奏中遇到手难以连接或慢乐曲中需要延长的地方等，是可以使用踏板的，但是要用耳朵仔细的倾听，然后小心的进行。 八、装饰音：这是修饰音乐的装饰品。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法。另一方面，因为适合于击弦古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以， 巴赫的装饰音不要弹的太急、太强、太断和太华丽。 以上是弹奏巴赫作品时所要注意的几个基本要素。 当然，巴赫的《十二平均律曲集》以及他的其它钢琴复调作品都是如此的博大精深，要真正的弄懂并准确把握这些巨作，是要花大量心血与时间去做认真研究的。但是掌握其主要的风格特征，了解当时的时代背景是学习巴赫作品的最根本要求，也是弹奏好巴赫作品的前提与第一步
❹ 转怎样弹好巴赫
复调音乐是多声部音乐的一种，它是以若干个旋律同时进行而组成相互关联的一个整体，而各种声部又彼此形成良好、协调的和声关系。 复调音乐的弹奏对学生的听觉、手指及对音乐的理解等各方面要求都很高，所以在学习的过程中学生会感到难以控制和准确表达，导致了很多学生不愿去接触复调音乐的弹奏。但在众多的钢琴文献中，复调音乐占有重要的地位，它是一个历史的展现，是每一位接触钢琴演奏的人所必须了解和掌握的重要内容。从最基础的每年一次的钢琴考级到国际上的重大比赛，复调作品都是每位选手必弹曲目之一，也是每位学习钢琴演奏者的必修课，可见复调音乐在音乐学习中的重要性。那么如何让学生弹好复调音乐、爱弹复调音乐就成为我们在教学过程中研究和探索的重点之一。说到复调音乐就不能不提到被称为“古典大师”、“欧洲近代音乐之父”的巴赫。在钢琴学习中，接触到的复调音乐大多是巴赫的作品。巴赫一生的作品浩如烟海，主要作品有两百多部“康塔塔”，小提琴、大提琴奏鸣曲，管风琴曲等，在他一生当中还创作了极多的钢琴复调作品，我们学习中经常用到的有：《巴赫二部、三部创意曲》、《平均律钢琴曲集》、《英国组曲》、《法国组曲》等，这些作品将复调音乐推向了一个空前的高度。要让学生学好这些复调作品，喜欢它、理解它，很好的演奏它，教师在教学中的引导至关重要。首先在开始进行弹奏巴赫的复调作品之前，教师应通过讲解让学生初步了解巴赫的简单生平，通过示范演奏让学生体会巴赫创作作品时所用的羽管键琴在构造上、音色上、奏法上与现代钢琴的不同，初步了解演奏巴赫作品时的特殊的触键方法，（用非连奏法或是手指断奏法来模仿击弦古钢琴的清脆效果等）。其次要培养学生良好的听觉。良好的听觉是演奏好复调的基础。1、从学生接触钢琴，弹奏第一个音开始，老师就要充分动用学生的听觉，培养学生聆听自己所弹奏的每一个声音。2、通过教师的示范，训练学生尽快的能够分辨、鉴别声音的好坏，音质的优劣，从而慢慢将自己的演奏声音朝着良好的方向发展。我认为以上两点教师必须在学生一开始学琴时就要建立起来。3、从接触第一首复调作品开始，就要让学生明确旋律线条的走向，注意声部之间的对称，声部与声部的模仿、交错，答题与对题的衔接，通过教师的示范与讲解，学生的反复练习，建立良好的复调听觉。运用敏锐的听觉来调整各声部的音色和力度。再者，合理安排复调学习的进度，良好的教材选择尤为重要。1、复调的学习是一个循序渐进的过程，对于刚开始接触复调的学生来说，《巴赫初级钢琴曲》是一个不错的选择。《初级曲》中收录了大量的二声部小步舞曲，这些小步舞曲声部清晰，节奏流畅，旋律活泼，学生很容易通过旋律喜欢上乐曲，并较好的掌握旋律线条的弹奏方法，了解旋律的走向及两个声部在音乐发展中的交错变化。通过《巴赫初级钢琴曲》的学习，学生可以获得弹奏复调作品的初级技巧，可以初步体会到巴赫复调作品的内涵，对钢琴的学习会有一个全新的感受。2、在《巴赫初级钢琴曲》的学习结束后，我选用了巴赫的《小前奏曲与赋格》这本教材来对《创意曲》的弹奏进行过度。这本书里的前奏曲是位于赋格曲之前的乐曲，体现了主调风格，情感表达比较明确。快速的流动有一些练习曲的感觉, 对于刚刚接触复调的学生来说，它清晰的旋律和色彩丰富的和声，更容易被理解和掌握，也可以让演奏者的演奏技巧得到充分发挥。赋格曲是复调音乐的最高表现形式，多条旋律的交织要求演奏者要有多个声部的思维，要会聆听穿行于各个声部间的主题，这对刚弹奏复调音乐不久的学生来说无疑是有些困难的。《小前奏曲与赋格》中出现了两声部和三声部两种赋格曲，我在使用时对三声部的赋格曲进行了有选择的练习，只选择了较易掌握的两到三首作品让学生弹奏。这本教材的使用便于学生能更好地理解与把握巴赫的音乐风格，为下面《创意曲》的学习打下良好的基础。3、在完成了以上学习后，我选用了巴赫二部创意曲的练习来提高学生理解和演奏复调作品的水平。创意曲是一种短小而且自由的复调器乐作品形式，多采用二重对位和模仿的写作方法进行创作，是复调音乐的一种重要形式。巴赫的一生共创作了15首二部创意曲和15首三部创意曲，这些创意曲为以后更好的诠释巴赫大型作品打下了基础。这15首二部创意曲在形式上比以往练习的复调曲丰富了许多，主要运用了模仿、卡农、二重对位以及一些近似赋格的写作技术。它们每一首都有着不同的风格不同的情绪，在技术上也有着不同的要求，这就要求教师在教授时特别注意因人选曲，面对学生出现的不同的问题选择不同的曲目来练习解决。如：左右手协调不是很好的学生可以重点练习第4首和第14首创意曲，这两首创意曲都要求两只手弹奏的乐句连贯的交替，不论是左手还是右手演奏的声部都同样重要。4、二部创意曲的学习结束后，我认为不宜马上接学三部创意曲。因为三部创意曲不论在技巧上还是在乐曲的艺术目的上都要比二部创意曲难很多，学生马上学习三部创意曲会有很大的困难，这时可选用一些三声部的赋格曲的练习来进行过度，为三部创意曲的学习作好充分的准备。5、巴赫三部创意曲的学习。 巴赫的三部创意曲主要难在用双手弹奏三个声部。这就对学生左右手的协调性，手指的控制能力以及触键的方法都提出了更高的要求。 大部分的三部创意曲在结构上可以分为三部分：第一部分是对主题的一种呈示。教师要在教授这部分时提醒学生尽快熟悉主题、了解主题，要将第一部分准确的弹奏出来。第二部分是将主题放在不同的调式上展开和发展。这部分要求学生在充分掌握主题演奏的前提下进行，在学习过程中要了解主题的走向，在不同调式上的变化，运用听觉掌握旋律。第三部分将主题移回到开始的调式上做缩小、变化的再现。在三部创意曲的学习过程中，我为学生加入了一些《法国组曲》内容的练习。《法国组曲》共六组，每组是由四首速度和节奏不同的舞曲，按照一个固定的顺序组成的，这四首舞曲分别是阿勒曼德、库郎特、萨拉班德和基格，其中前三首的顺序是不变的，有时会在萨拉班德和基格的中间加入小步舞曲等其他的舞曲。6、在结束了创意曲的学习之后，学生的复调演奏能力及对复调作品的理解与把握应有了一个质的飞跃，这时可以进入一个新的、更高的学习阶段——《平均律钢琴曲集》的弹奏。《平均律钢琴曲集》共有两集，每集24首，是根据十二个半音的规律，由C大调开始，依次以半音进行，每个音用大、小调各写一首前奏曲与赋格曲。巴赫的《平均律钢琴曲集》历来被视为巴赫所有作品里的巅峰之作,被世人称作是复调音乐中的网络全书。舒曼曾说“将《平均律钢琴曲集》作为每日必备作业，你必能成为一位出色的音乐家。”在《平均律钢琴曲集》中前奏曲的篇幅虽然都不大，但巴赫赋予了它们独特的音乐魅力，对演奏者手指的要求使得它不光是好的前奏曲还是24首完美的练习曲，对于左右手的协调性，手指的控制能力起到了很好的训练效果。24首赋格曲从二声部到五声部应有尽有，是学生掌握、提高赋格曲的学习所不可替代的教材。《平均律钢琴曲集》所带给大家的精美的旋律主题，精湛的复调音乐技法，对学生真正走近巴赫，逐步掌握复调音乐的各种演奏方法、演奏技巧，理解巴赫时代的音乐风格都起到了不可磨灭的作用。当然，巴赫的《平均律钢琴曲集》以及他的其他钢琴复调作品都是如此的博大精深，要真正掌握它们的主要风格特征，弄懂并可以准确的演奏出来还需要教师和学生花大量的时间与心血去研究、去练习，通过师生共同的努力把最完美的复调音乐展示给大家。
❺ 我想了解演奏巴赫作品时所要知道的相关知识
巴赫作品是每一个学钢琴的人必须要学习的，也是对于我们东方人最难的一位作曲家。
想了解巴赫的作品应该如何诠释，那么就必须先了解巴赫作品的特点，其实诠释巴赫作品最大的障碍在乐谱上，原版的巴赫谱子上面什么都没有，没有速度和力度记号，更不用说指法了，而且编订巴赫作品的人数众多，所以巴赫的作品版本很成问题，在德国大家多数用的都是原版本，但是一般都会找一本编订本的作参考，大家通常选择的是布佐尼版的，因为他对作品的分析是十分透彻的，而且距离我们现在比较近，而且在分句指法上都有很卓越的见解，但是也不能全信这个版本的，有些时候这个版本的分句也有点让人抓不住头脑，所以大家还是需要经验来诠释作品。
巴赫作品用于教学的大多只有3类，一类是组曲，一类是平均律，再就是二，三部创意曲，但是二，三部创意曲都是赋格，我把它并入平均律来说。
这三类里，组曲最复杂，因为它都是由欧洲的古舞曲组成的，对于中国人来说都是不可想象的，因为我们没见过。首先说Allemand（阿拉曼德，注：拉丁文的意思是日尔曼），通常在组曲的第一或第二乐章，这是一个德国舞曲，是比较慢的，通常是走着跳的，没有什么跳跃，大多是4/4拍的，弱起，有着一种倾诉的特性，也就是说音乐的性格是娓娓道来，演奏要保证流畅。接下来是Courante（库朗特），是法国舞曲，也有意大利的，这是一个比较快的舞曲，也就是说，在舞蹈过程中跳跃比较多，所以它是整个组曲中差不多第二快的，是三拍子的。再下去是Sarabande（萨拉班德），是西班牙，是整个组曲中最慢的一乐章，强调的是第二拍和第三拍连在一起，在Sarabande之后有的是Gavotte（加沃特）也有的是小步舞曲，也有的是其他的形式，Gavotte通常是2/2拍的，不是很快，节奏弱起，很有动感，却又不是十分欢快；而小步舞曲则很有意思，第一拍是最强拍，第二拍是最弱拍，而第三拍通常是到下一小节第一拍的弱起，又一个渐强的倾向性，当然这只是大多数情况，不是绝对的。而在几种舞曲之后通常就是Gigue，这是最快的一首舞曲，节奏也比较怪，通常都是3拍子的感觉，也又2拍子感觉的，但是这种情况也是6/8拍的，所以不是严格意义上的2拍子。有时候在小步舞曲和Gigue（吉格）之间还有Bourree（布列）等舞曲，我只弹过Bourree，也是很快的舞曲，如果我没记错是英国的舞曲（忘了，真是猪头），是2拍子的感觉。在英国组曲的开头有个前奏曲，这个前奏曲就不是很好处理了，因为它没有那种舞曲的特性。
其次是平均律，48首前奏曲和赋格，也是巴赫最让人头痛的作品，舞曲大多是单旋律作品，只是用复调技法写出来的，所以右手大多数情况下是旋律，也有卡农的片断，而赋格就比较麻烦了，有的作品不仅有主题，还有很多的对题，甚至有的赋格有3个主题。平均律中的赋格从2声部到5声部的都有，但是两首5声部的都在第一册。声部越多越难，但也不是绝对的，有的三声部的比有些四声部的还难，所以不要完全依靠声部数量来判断。从两册平均律中比较特殊的是第一册的第四首升c小调的那首，因为这首赋格是五声部的，而且有三个对题，可以说是整个平均律中最难的一首赋格，因为对题的性格要做到与主题有区别，3个对题对于演奏者的要求是极高的 ，要做到把三种表情融为一体，确实是十分困难的；另外一首是第二册第14首升f小调那首，那首赋格有三个主题，每个性格都不一样，最后还要同时演奏3个主题，所以真是很让人头痛，我以自己的经验劝告大家不要弹这两首。而前奏曲没有什么好说的，每首都不一样。
但是演奏上还是有规律可循的，巴赫的作品大多是旋律比较连贯的，所以必须要抓住旋律的动力，这个动力就来源与节奏，在演奏过程中要抓住每一句最后的几个音作为弱起，做渐强来增加旋律的动力和节奏的动力，要找到旋律的骨干音。第二就是要抓住断连的处理，这个在巴赫作品中是极端重要的，因为这是必须要注意的，要保持整个作品的一致，这点是没有商量的。比如说旋律部分大多都是要用连奏的，但是有些十六分音符是连奏的，而八分音符是断奏的，这些东西一开始都是由演奏者决定的，比如说有些左手伴奏音型是八分音符，如果你把这些八分音符弹为断奏，那么可以说所有左手的八分音符都必须弹断奏，这是不能商量的，只要开始弹成了断奏，那就不能改变了，右手是一样，特别是主题，只要定了，就不能改了。至于如何处理赋格的主题，我觉得还是靠经验，找几本编订本的巴赫来弹一下，慢慢也就有那个感觉了。而断连处理也是一样，必须得有那个感觉。至于听什么录音，我推荐Edwin Fischer和里赫特的，他们弹得还是可以学的，也是很传统的，我个人不推荐古尔德的，他的诠释太富有个性了，只能听不能学。
装饰音是很让人头痛的问题，学了这么多年了，就对装饰音觉得挠头。巴赫作品的装饰音大多是他自己加的，也有他的学生凭记忆，回忆起当年巴赫怎么弹得而补充进去的，有些时候装饰音能给一部作品改头换面，在英国组曲里有两首萨拉班德有两份谱，一份是没有装饰音的，另一份是加了装饰音的，听起来像两首作品，像这样的情况下，通常反复的时候弹有装饰音的，第一遍弹没有装饰音的。至于波音和颤音其实大家都懂，但是有一点必须要强调，不管是颤音还是上波音，都必须从上面那个音开始。这是很重要的。
❻ 怎样练巴赫的三部创意曲
补充：两只手演奏三个声部不算什么，巴赫的曲子四个声部的都很常见。两只手要把多条声部都弹清楚，这就是复调音乐最难的地方。
关键在于手指的独立性（有点像左右手互博之术，要弹好复调音乐，就要练得每根手指都能互博一样，呵呵）。还有就是头脑清晰，有人说复调音乐都是用数学算出来的，所以建议楼主弹之前一定要先研究乐谱。
参考书的话，推荐楼主买这本：
http://proct.dangdang.com/proct.aspx?proct_id=8706059
《巴赫演奏指南》，一位巴赫权威演奏家写的。很实用。
--------------------------------------------------
楼主的问题很专业啊，相信楼主已经了解了不少复调音乐的知识。可以看一看讲复调的书，很多教材都会用巴赫的作品作为谱例的，很可能就有三部创意曲的谱例。
弹之前一定要先研究乐谱，把各声部都划分清楚了。主题、答题、对题等都搞清楚了再弹。最简单的方法就是每次主题出现的时候，都要保持线条的清晰。能够使不同声部都相对独立，又融合在一起。复调弹起来挺难的，建议楼主再找老师指导一下。
❼ 如何演奏好巴赫
一：速度。它是决定风格最重要的因素之一。在弹奏平 均律中速度应当和当时乐器（古钢琴等）相吻合，与当时的时期（巴洛克时期）想吻合。十八世纪属于节奏较缓慢的时代，如果我们在钢琴上把这套曲目弹的很快，显然是不合适的。所以平均律的弹奏应当是相对较缓慢的。 二：节奏。巴赫作品以节奏严谨平稳而着称。由于作品属于 巴洛克时期音乐范畴，所以不能允许有类似浪漫派演奏手法常用的自由地、时慢时快的节奏。巴赫作品从开始到结束，都应处于一个基本节奏之中。但严格的说，在巴赫的作品中有严格节拍与自由节拍的两种不同形态。严格的节拍需要自始自终的统一律动。不能忽快忽慢。另一种则是自由而即兴性的部分，这部分音乐因突出其炫技的性质，因此需要适当的自由速度。 三、线条。这是巴赫作品中又一极为重要的特点。在弹奏 巴赫的复调作品前，我们应该对线条在脑中有一个初步的设计，使其自然而流动。当然巴洛克时期的音乐线条起伏不能像浪漫主义音乐中的线条起伏那么大，但它一定是存在的。正确的使用渐快与渐慢往往会给人一种舒服的感觉，但滥用则会另人厌烦。试想，如果每一首前奏曲和赋格在结束时我们都去做渐慢，也太呆板了，我认为，一首歌唱性的。宽广流畅的赋格曲比一首欢快的轻巧的赋格曲更适于在结尾处做渐慢。 四、声部。平均律属于复调作品，也就是多声部的音乐作品。 我们要通过这些曲目的训练使手指控制声部和耳朵辨别声部的能力得到大的提高。在学习中，要强调保持声部层次的清晰，主题声部要尤为突出，而其他各声部要让位于主题声部，手指要做适当的控制。但是，在控制中，每一个声部又应当是清晰、完整的。要做到这一点，就必须将每一层旋律部分抽出来单独练习，使头脑对各声部都保持条理清楚，再用清醒的头脑去指挥手指的弹奏动作。 五、触键。钢琴的触键方法有许多不同，但在弹奏平均律时， 触键应和巴赫作品的风格相一致。一般来说，在快速乐曲中，用非连奏法或手指断奏来模仿古钢琴上的清脆效果比较合适。而在缓慢的抒情歌唱性乐曲中，则要把力量由肩部传送到指尖，手腕平稳，音与音的连贯要均匀，贴键出声，保持音色的圆润饱满，这样才能获得古朴典雅的音响效果。 六、力度变化。总的来说，巴赫作品的力度变化幅度较小， 基本趋于平稳。但是这并不排除某些段落里的强弱力度的变化。另外，巴赫作品的力度应在按照乐曲的内容、结构来改变的同时，也要把力度总体放轻。着名德国钢琴家吉泽金说：“所有的巴赫作品的力度记号都要按比例降低一级，绝不要超过中强，因为当时的乐器与现在是大不相同的……巴赫的音乐要非常精致，要注意细致的差别……力度要有层次。”无论如何，强弱分明的格式决不能用到所有的前奏曲与赋格曲上去。 七、装饰音。巴赫的装饰音种类繁多，有回音、逆回音、颤 音、下波音、上波音等等，他们各有自己特殊的弹法，也可以根据自己的个人判断，有一定程度的自由。每种装饰音往往可以用好几种方法来弹，而且都是正确的，可以被接受的。巴洛克时期演奏家们在弹奏所标出的装饰音时必须有一定的自由来发挥想象。今天我们演奏巴洛克时期的音乐时，也可以根据前人总结出的规则在一定范围有所变化，这取决于我们对特定时期的演奏风格和装饰音运用方面的知识，以及好的音乐审美能力。另一方面，因为适合于古钢琴轻巧、柔和音色的装饰音，并不一定适合现代钢琴上较厚实的声音，所以，巴赫的装饰音切不可弹的太急、太强、太断和太华丽。 八、踏板。一般来说，巴赫的作品中很少用踏板，所以有不 少人都认为踏板在巴赫的作品中似乎是不重要的，但事实上极为重要而且极难把握的，由于踏板没用好而导致演奏失败的例子随处可见。在巴赫的作品中，踏板用的多了，会使声音含糊不清，用少了又会使声音干涩无味，这两个极端都有损于巴赫的风格。我认识踏板的运用应当根据乐曲的不同来决定。着名前苏联钢琴家捏高兹就认为：“弹奏巴赫音乐时应该运用踏板，但要用得恰当、小心、极其节约，当然有很多地方是不适宜用踏板的。彼�裕��莶煌�那榭觯�颐窃诘�嘀杏龅绞帜岩粤�踊蚵�智�行枰�映さ牡胤降龋�强梢允褂锰ぐ宓模��颐且�枚�渥邢傅那闾��缓笮⌒牡慕��.