Ⅰ 怎么拍出电影效果视频 你要学会这些
1、构图，一幅作品的构图，凝聚着作者的匠心与安排的技巧，体现着作者表现主题的意图与具体方法，因此，它是作者艺术水平的具体反映。在构图中很重要的就是screen depth。这个screen depth不是景深，而是好莱坞电影中很刻意的在背景中的置景和环境让演员表演的区间。制造screen depth”有三个办法：方法之一就是不要把拍摄的对象放在墙面前。不只你的灯爷会对你感恩戴德内牛满面，而且你也会立马得到更好的角度和深度。第二个方法就是视频拍摄的时候对着墙角。这是一个常见的简单小技巧，对着房间的对角线拍摄会增加空间的深度。把你的相机移到墙壁的对角线，或者至少能看见墙壁的角落，让你的画面看起来立马高大起来。第三，把外景带进来。如果你拍摄的地方有窗户，那么增加室内的照明让大家能看见室外。甚至你可以用绿屏拍摄去假装一个室外。很多时候新手往往喜欢block the window（把窗户挡起来）或者blow out the window（把窗户过曝），但是如果你能把窗户外的景色带进画面，往往你会发现这些不起眼的外景强烈暗示着环境，让画面非常漂亮地打开，画面的深度戏剧化地增加。第四，如果你在室外进行视频拍摄，尝试取一些带有地标性的建筑物让观众知道你在哪里。如果你在原野上，你可以把房子或者拖拉机放在背景里。如果你在城市里，让观众看见演员背后三条街道风貌。这些在背景里的东西不需要在焦上，可以被虚化，但这些元素一定要在。
2、创造景深创造景深，学摄影的都知道景深，无论是在照片还是视频当中处理场景中的元素在前景、背景，让主体远离背景及让演员沿着框架移动而不是穿越它，这样能创造出更大的景深而且能拍出更有趣的视频。（1）相机要有一个大的传感器。（2）大光圈。这一点无论怎么强调都不为过。使用快镜头大光圈是非常必要的。光圈越大，景深就越浅。数值越小意味着光圈越大。（3）长焦距。镜头焦距越长，景深越浅。
3、声音，好的短片，声音多半是精致的。院线电影和一般的小视频比，画面是可以模仿的。可是声音永远是无法超越的！性噪比高的录音设备收出来的声音干净无比。这么说吧，电影里我们常常可以听到香烟燃烧的声音，而我们在生活中都听不到。这就是电影声音制作的有趣之处。一切混音在真实的基础上加以戏剧化。而普通的视频，多半做不到声音干净，混音犀利。这里也可以给点我自己的经验，我在做片子的时候，除了强调收音组收音质量以外，后期的时候，我每一句话都会争取做混音和处理，哪怕是简单的一路台词。我的通常做法是，把一句台词复制三条，第一条控制响度，第二条加强重低音，第三条加强人声音色；然后三条混合调整响度。这么一来，声音性感了锐利了，电影感就慢慢出来了。
4、调色，我听过一句话叫“无调色，不出片”，可见调色对一部短视频、电影来说是非常重要的，好的调色不仅可以提升影片的视觉效果，还可以形成一种风格。。整体思路是从整体到局部，要想调出不错的色，首先你要知道一些基本的色彩知识，比如说色温、色相、互补色、相邻色等等，然后你还要熟悉一个调色工具。很多人使用达芬奇来给自己的片子调色，还有人用一些插件，比如looks、film等等，这个主要看个人习惯。对于我来说，最常用的就是Pr cc2015内置的插件。一般来说拿到一条视频首先要进行一级调色，就是颜色校正，色温白平衡什么的，然后是二级调色，进行风格化处理，添加蒙版、套用lut。lut指的是色彩查找表，来源于胶片电影时代，类似于一种调色预设。
5、黑条，最后补充一点，对了！就是黑条，这个装逼到哭的东西！电影多半是2.35：1 或者是2.55：1的画幅比例。加一个黑条，会瞬间充满电影感的。人都投入了，自然觉得“唔，是在看电影”欧不！这是有高逼格的短视频！
Ⅱ 影视后期调色的方法和步骤
影视后期调色的方法和步骤
为什么要调色？答案很简单，为了从形式上更好地配合影片内容的表达。
一部影片的表达语言，由画面、音效、同期音与配音等基本构成。其中，画面自然是最重要的基本要素，画面的表达方式不一样，对影片内容会起到非常大的改变。要想把影片内容表现得饱满、到位，那么画面的影调、构图、曝光、视角等细节都要精细安排，才能统一形成完美的、适合主题的表现力。
以色调为例，简单了解一下它在影片制作中的重要作用。
原始视频素材，画面是以中性的所谓“标准”基色为主，前期拍摄中，主要控制画面的曝光、白平衡、构图、视角、运动等基本指标。对于色调，往往不会在前期进行调整和设置，前期尽量提供“标准”拍摄，因为，不同的画面素材，可能会在后期用在不同的场景和气氛中，前期不能判断后期处理的所有要求和操作，所以，前期更重要的是把握好构图、曝光这样后期很难处理的环节，而色调，只要提供准确的白平衡即可。当然，模拟夜景、晚霞渲染之类的白平衡也算前期工作，这可以适当改变色调色温，使其大致符合后期要求。前期能做的都在前期做，但不要过分改变太多，那样，会给后期造成麻烦。
前期素材拍摄完毕，在后期机房，制作师会领会导演意图，根据影片风格，确定色调风格，对前期素材进行一级和二级校色，其目的是把素材这些“蔬菜”做成不同味道的“菜肴”，这完全取决于“厨师”对菜肴的制作手艺。如果说，一道菜是由色、香、味组成，那么，影视后期的调色就是其中的视觉元素，而影片的节奏、蒙太奇剪辑手法等则是影片的味道。调色可以唤起观众的观赏情绪，甚至改变一部影片的.风格，都会起到决定性的作用。
色彩的物理属性
如果一部影片，不进行调色，或者调色不正确，会在视觉上大打折扣，本来可以影响观众情绪的画面，因为平淡无奇的色彩而达不到目的。
或者，调色过于夸张和随意，本应该平和的画面却显得突兀和做作，这也是不允许的。
合格的调色，应该是完全与影片主题相吻合，不温不火，不夸张，不炫技。
没有调色的影片是粗制的半成品，调色不正确的影片是半废品，调色也是双刃剑，过犹不及不可取、恰到好处才行。
调色的第一步，就是对色彩的属性给予深入的理解。
色彩，是光在不同介质上的反射结果。不同材质，对光的色谱吸收不同，才有了不同的色彩表现。本质上，除了太阳和灯光等发光体，一般物体是没有色彩的，是对光的不同反射能力才产生了各种色彩感受，而这些色彩的物理属性，也会随着光的强弱、角度等不同而发生改变。
虽然我们通过白平衡偏移，也能改变色彩，但这不是一个好办法，白平衡改变是机器对色彩的不正确还原得到的，其副作用就是，可能对真实环境的某些色彩还原偏差过大，甚至产生严重的噪点。我们应该尽量在前期布光中，先把色彩的分布进行妥当安排，不靠机器去人为改变，靠灯光的不同照射角度和强弱、增减不同的色温滤片等方法，改变光线的物理属性，让摄像机处于标准的主体色温范围。
光线是由色相、饱和度、明度来整体决定本身的属性。
色相是一种色彩区别于其他的色彩的属性，尽管自然界的色彩极大丰富，但我们观看影片的媒介却远远不能还原那么多色彩，前期摄像机可以记录很高的色彩色域范围，而电视机这类的媒介，仅仅能够接受8bit色彩，也就是说，前期色相很丰富，后期制作中，只是提供了更多的可控范围，真正能够让观众欣赏的色域要压缩不少。
饱和度，简单理解就是色彩浓度的大小。饱和度太小，色彩黯淡，缺乏足够的色彩冲击力。饱和度过大，则显示出明显的色彩视觉刺激，让人更加醒目地感受到色彩的力量，但是，饱和度过高，会给暗部色彩产生明显的噪声，这种噪声干扰，是视频调色的底线，应该在处理饱和度过程中，既要保持一定的饱和度，又要接近但不能出现噪声的那个阈值。
明度，是一种色彩的纯洁度、通透度，明度高，则色彩干净准确，明度低，则色彩有些混沌。调色中，未必要追求所有色彩的明度都是很高的。当需要表现的主体需要高明度的时候，必然要用其他辅助物体的低明度做对比。光线在色彩明度中起到关键作用，光线较强，明度则高，光线较弱，明度则低，必须充分利用布光，改变明度的大小。
色彩的主观作用
色彩除了本身的物理属性，在视频制作中，色彩的主观作用更重要。
所谓主观作用，就是一种色彩在画面中能对观众的视觉产生什么样的影响，从而影响到观众的心理。色彩有时候是一种心理上的错觉，它是视觉刺激之后，对观众更深层次的影响。
现实中，我们常常看到不同的商业环境，色彩基调也是不一样的，这和影视制作异曲同工。比如，我们会感受到大多酒店、饭店采用暖色调照明，就是营造一种安全、温馨、放松的感觉，在饭店，则可以激发食客的食欲。而冷饮店之类的环境，大多使用冷色调，强调清爽、冷静的主观感受。
一般来说，暖色调会把画面宣示出厚重、可靠、饱满、沉稳的感受。而冷色调则会显示出安静、空荡、遥远、清灵的视觉感受。这样，我们在调色中，就要根据影片的风格，采用恰当的冷暖调，甚至通过冷暖调的反差和对比，进一步强化主观的视觉感受，让观众潜移默化受到影片色调的影响，从而达到影片思想的有效传达。
比如，寒冷清寂的冷色调夜晚，风雪夜归人，突然，画面中出现一盏温馨的暖色调光亮，不管那个暖色调有多小，在大面积的冷色调中，依然非常显眼，观众会立刻被吸引，这样，接下来的，让暖色调不断扩大，最后，进入完全暖色系的房间，一种家庭的温暖、吸引力和渴望力就大大加强，冷暖色调的作用和鲜明的反差，在强烈的对比中自然形成，而这种色彩上的主观感受，并不需要过多的画面解释，就能水到渠成，这就是调色的作用。
一定要善于运用冷暖色调，一般性的新闻之类的，可以采用标准客观的自然色彩还原，不能采用主观的人为色调，其目的是更好地再现真实。纪录片、剧情片可以根据影片整体风格，采用以一种色调为基础的调色，是暖色系的怀旧还是冷色系的观察，这都要在后期制作之前确定，而适当加入冷暖对比，可以突出表现的主题，但还是应该以一种基调为标准，不能冷暖色调反复出现，过犹不及，千万不能以一种手段反复应用，那样就失去了主题基调的全片统帅作用了。
;Ⅲ 普通的记录视频应该怎么调色
普通的记录视频应该怎么调色，可以使用电脑端的爱剪辑来实现相关的操作，具体步骤如下：
普通的记录视频是不需要调色调得花里胡哨的。只要尽可能的保持视频画面的舒服就可以了。不太需要有过多感情色彩的调色。主要就是在“画面风格”这个功能上面去调。比如可以应用“画面”里的“亮度对比度”、“改善光线”、“高质量去噪点”。然后在“美化”那里调一下喜欢的颜色，程度不宜太深，比如调个基本的冷暖色等等。
希望可以帮到您~
Ⅳ 纽约着名影视制作人教你如何调色
Vshi Nedomansky是一名来自纽约的影视制作人，他的主要身份是剪辑师,着名短片《最后三分钟》就经由他“妙手”剪辑而成。因为制作规模和经费的限制，单反器材爱好者的他在后期编辑的时候，经常充当调色师的角色。
这篇文章就是他在调色方面的一些经验和建议。【现在很多剪辑软件自带的调色功能已经能应对一般性的调色，有调色插件和预设模板，调色就更轻松了。】
调色虽然只是整个制片的一个部分，但它可以起很大作用。通过调色，能化腐朽为神奇，让画面“声色并茂”，增强你视频的视觉体验；要是有更好的素材，那可供发挥的余地就不可限量了。不过，调色失败的话，画面也可能会变得不堪入目，让整个团队拍摄时的辛苦工作付之东流。因此，调色是一项挑战性工作，如果你负责的是影片调色和色彩分级，那就需要极强的责任心。在电影界，各类工作综合交错，调色逐渐成了剪辑师的工作内容，尤其遇到资金不足、时间紧张的情况时。因此，基于这几年在专题片、短片、广告、MV以及纪录片的调色经验，我借此机会与大家分享一些技巧。
首先重温几个专业词汇。
调色： 人工调整每一个片段以达到较好的曝光度和光平衡。通过调整单个片段，与预设场景的色温相协调。这个过程机械、单一，但至关重要。这一步要使用示波器 (颜色示波器, 矢量示波器, 波形示波器 )，大部分非编软件和调色软件都有这些功能。如果没有以上功能的帮助，那你只能靠眼睛不断去调整光平衡。所以，让示波器来协助你将工作做得更出色。
色彩分级： 是一项富有创造性的工作。使用软件增强或建立新的视觉效果，例如：引入新主题色、重新调光、仿真胶片、设置色彩梯度等等。这些工作是纯创造性的，无对错之分，可微可宏、可隐可现，合适即可以。正因如此，这项工作极富挑战性。可以辅助的软件非常多也都很强大，很多还是免费的，比如Davinci Resolve Lite，因此，一旦踏上这条路，就没理由退缩。
低光-中光-高光： 阴影-中间调-高光 黑-灰-白：这三个组合决定了你需要处理哪一部分画面，三者可以相互替代。一般一个项目只用三者之一，不过三者在本质上没有区别。即使在处理色阶或曲线时，除了数值还需要至少三次滑动来进行细微调整。有了这三种，任何画面处理都易如反掌。
除了以上提到的专业词汇，还有很多，就不一一赘述了。这篇文章重点讲几点，这些都会让电影制作人在完成电影的同时，提高工作效率。在此，感谢影片短篇电影“HWY”的导演Michael Evanet提供素材。我刚刚完成这部影片的调色工作。
技巧1-使用低对比度或 LOG模式拍摄
Shane通过大量研究和测试发现，所有拍摄模式中低对比度拍摄捕捉的画面细节信息最多。我用Canon 5D mkii拍摄时，喜欢用Technicolor Cinestyle 或 Canon Neutral，并将清晰度和对比度调到最小。接下来，我会测试Similaar Flaat 文件，这种在四种不同的颜色中可以使用。相机公司的产品一般都配有对比度高、功能全的stock profile，但是，从监视器上看的话，画面会变得非常难看，带有不均匀阴影和亮点。这样的话，一切就毁了。这对于作为制片人的我们来说，难以接受。stock profiles是业余爱好者才用的，就好像将相机调成自动的就能拍片一样。绝不接受！
技巧2-使用颜色示波器, 矢量示波器 和 波形示波器 。
打开premiere，在窗口选项中选择工作空间和色彩调节。在任意窗口低光右侧点击RGB BUTTON键。之后会出现示波器。颜色示波器=明亮度；矢量示波器=色度；波形示波器=红、绿、蓝值。这些工具非常重要。使用示波器，你拍摄起来会得心应手。了解并信任示波器吧。情况紧急时，可以用Matrox Mini来校准LCD电视。示波器完成质量可以达到广播节目或发行效果。我曾单用示波器一个软件完成过四部专题片，而且都一次性通过了质量检查。现在加上Adobe的帮助，更容易了。
技巧3-顺序
要想保证画质并获得最大的信息量，必须按步骤来。就好像做蛋糕，要一步步完成。在这方面，Stu Maschwitz给我的建议非常有帮助。调色时按顺序来，会达到极佳效果。以下是最佳顺序，有些步骤一些情况下可能用不到：
1. 修除画面瑕疵问题并降噪；
2. 通过调整灰平衡，饱和度和白平衡平衡镜头；
3. 用蒙版或避光框调光；
4. 加入渐变、柔化以及其他滤镜；
5. 加入虚光；
6. 图像分级；
7. 进行模拟；
8. 调整尺寸，增加清晰度
技巧4-在Premiere里的快速颜色校正功能是32位的，容易上手且十分实用
这个效果是任意镜头的良好开端。这样可以实时处理色阶、饱和度、色彩强度和白平衡等。我通过调整明暗对比增加对比度得到下面的镜头。我使用色轮，向橙色方向拖动，以中和原镜头的蓝色。也可以使用白平衡调节器。不过我倾向于使用橙色方位，让画面有上世纪50年代的感觉。我将饱和度调高了40%以突出画面。最后，加了2.35的蒙版达到旧式宽银幕电影镜头效果。
技巧5-首先调整低光/阴影/黑平衡
先调整黑平衡，为之后的平衡打好基线。我喜欢从底向上调整，将颜色示波器 上的黑平衡调到0 IRE。之后调高白平衡，以扩展画面并加入一些对比。最后，视情况调整灰平衡。调整黑平衡 或 白平衡时，整个颜色示波器会改变，因此要不断进行微调。最后再调灰平衡，因为它对黑平衡 或 白平衡影响不大。调高灰平衡，画面饱和度会全部改变，因此要注意调高对比度。
技巧6-灰平衡会让画面生动
灰平衡会决定画面人物肤色，画面达到平衡后，调高灰平衡会突出人物脸部。有时调高Premiere的 曝光来提亮脸部或场景更简单些，但这样会调高所有部分，效果无法出来。颜色示波器上，人物脸部IRE最佳值为60-70。尽量不要超过这个数值太高。
技巧7- 矢量示波器上的肤色标准轴线（FLESH LINE）
通过矢量示波器上的肤色标准轴线（FLESH LINE）来查看人物肤色。利用三路色彩校正或者Colorista插件方式来改变特定区域的颜色。通过调整灰平衡轮可以调整人物脸部色调。按照所需要的颜色调整灰平衡轮方向，直至其与肤色标准轴线（FLESH LINE）对齐。有趣的是，肤色标准轴线（FLESH LINE）十分精确，我们共用的皮肤色调均为FLESH颜色。在这之前，微调白平衡也十分重要。如果想要自然肤色，最好不要选择粉、红或绿，这时应该调整对比度。人物肤色的调整，并无对错之分，合适即可。
我希望我的分享能为您提供帮助，或者让您了解更多。调色方式多种多样，没有哪一种是最好的。对于调色来说，没必要花费太多物力和财力，需要的仅仅是时间，最简单的效果加上探索精神和热情。尽情去感受，一次错误的拍摄可能带来意想不到的惊喜。去探索并享受吧！
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Ⅳ 如何让视频充满电影感这些调色技巧要知道
第一种，剪辑软件自带的调色模板
下面的是premiere调色预设。剪辑软件里面都有一些预设的调色模板，简单色调调整非常有用，如果前期拍摄到位，预设一样很出彩。
第二种，安装插件调色
一些第三方公司为adobe的软件开发了很多调色的插件，比如大名鼎鼎的magic bullet系列、cineplus cinema 等等，这些插件非常智能，丢到素材上就能快速出效果，还可以对皮肤，背景等局部细节提供更多精细化调整，快速实用。
第三种，套用lut
LUT是指Look-up-Table，也就是颜色比对表。效果类似于美图秀秀的风格化模板，放到素材上立马见效果。很多调色师为了存储自己的调色参数都会自制一个lut，以方便日后使用。等于调色师自制了一个风格化模板，其他调色师只要拥有这个lut，也可以拥有这款色调模板。
lut现在可以直接在剪辑软件里面调用，所以小成本影视制作想要快速出效果，不妨一试。当然了，调色只是后期制作的一个环节，想要片子有感觉，从一开始的摄影构图，人物造型，演员，剧本等方面都得精雕细琢。
关于如何让视频充满电影感?这些调色技巧要知道，青藤小编就和您分享到这里了。如果您对影视后期有浓厚的兴趣，希望这篇文章可以为您提供帮助。如果您还想了解更多关于摄像技巧、后期剪辑的方法及素材等内容，可以点击本站的其他文章进行学习。
以上是小编为大家分享的关于如何让视频充满电影感?这些调色技巧要知道的相关内容，更多信息可以关注环球青藤分享更多干货
Ⅵ 影视后期剪辑调色技巧
影视后期剪辑调色技巧
剪辑无定式，任性成方圆。本文不教剪辑理论，什么空切近、远推中，要把主要知识梳理下来恐怕十篇文章都不够。而且学院派的剪辑理论更多适用于电影以及电视剧的剪辑，对于MV而言就不成立了。下面是我为大家带来的影视后期剪辑调色技巧，欢迎阅读。
技法1：交互式剪辑，多个镜头铺垫一件事
视频剪辑其实就分为两种：第一种是按照时间顺序剪；第二种是不按顺序剪。按照顺序剪适用于电影以及电视剧，极端案例就是一镜到底，一个镜头从头拍到尾。一镜到底是最原始的剪辑的手法，好几十前年就被大师们摈弃了。不过最近一镜到底的视频又火了起来，我想原因之一是对古典的致敬，更主要的原因还是绝大部分人没有见到这种“古老”的手法。而不按照顺序剪辑，可以称之为交互式剪辑，而交互剪辑的实质就是胡剪：把看似不相关的镜头组合在一起，在表达一件事的同时给人一种主观态度。
看上面的视频，这四个素材分别拍摄于不同的季节、地点，可以说是完全不搭边的四段。一段是车载记录仪拍摄的画面，一段是模特外拍时笔者采的景，另外一段是音乐节时拍摄的观众以及一段马路上随拍的车流。当我们把他们按照一定的顺序组接起来，并把最后一段素材的持续时间变长，看上去就像是不同的人从四面八方去看音乐节。
还是这四段素材，我们把最后一段换成女孩读书的，那整个视频就变成描述一段女孩去读书了。
本页大家记住一个要领：不要死心眼只用今天拍的素材描述今天的事，昨天拍的视频也可以用来充数。像我就留了很多风光素材，比如日出什么的，啥视频都能用，哪里的太阳不是太阳啊。
我们常常听艺术家口中的蒙太奇，并不是什么神秘东西，其实就是交互式剪辑的延伸，很多朋友在剪辑视频中不经意就可以达到蒙太奇的效果。如果非要追溯一位创始人，那要算是爱森斯坦以及他的《战舰波将金号》，详细的理论我们少说，先看一段样片示意。
技巧2：蒙太奇的运用
回顾一下交互式剪辑，用不同的镜头铺垫一件事，而蒙太奇的定义更加宽泛，用不同场景、不同景别、不同人物等等各色镜头描述同一种情感。上面这个视频笔者均拍摄的小景，充其量也就有个别介于中景和近景之间的镜头，串在一起就可以表达出静谧的感觉，再来看下一段。
我想和大家说的是：虽然蒙太奇的手法丰富多彩，但新手使用时尽量选用同景别的素材描述情感，要么都是特写，要么都是全景。
上面这段视频又有特写，又有远景，有风光也有人物，串在一起表达运动的时尚与刺激感。这段视频更加符合蒙太奇的广义理论，更加适合老手使用。我有很多例子可以拿出来分享，为啥专门选中这段运动题材的视频？
就是因为：无论蒙太奇的定义多么宽泛，咱们几段素材的节奏起码要一致，要慢都慢，要快都快，别是几个快速的镜头后面跟了一个老人散步的，那就奇怪了。
学院派的剪辑教材中会告诉您相邻的两个镜头一定要有明显变化，比如前一个镜头是全景，那么下一个镜头就一定要接个特写；又比如前一个镜头拍摄了人物的正面，后面的镜头就一定要是人物的背面或者干脆换一个人，如果两个镜头之间的差异不明显看上去就会很别扭，真的很别扭吗？
技巧3：跳切，音符一般的节奏
上面这段视频前半部分就是女孩喂自己的男朋友吃冰激凌，虽然是美妙的事情但外人看上去就很平淡。后面跟了一段视频，视频采用了跳切的手法，这么处理看上去就有意思一些，如果在MV中配上音乐就会显得很俏皮。
跳切的处理相当简单，比如上图中长方形是整段素材，剪辑时只要去一段，留一段就行，唯一需要注意的是留下素材的画面最好有明显区分。跳切算是一种投机取巧的剪辑方法，但是请注意一点，您的作品要么只采用一次跳切，要么就全是跳切，2、3个跳切加在视频中会起到适得其反的`效果。
跳切需要特别注意：选择的素材尽量是“主体不变，细节变化很大”的，怎么理解这句话，比如一个女孩转头甩长发，主体是女孩没有变化，细节是转头变化很大，这种视频就适合采用跳切处理。
上面这段，整个视频就是几个人并肩往上走，也没有回头等多余动作，采用跳切处理后效果就不好，各位在剪辑视频时需要特别注意。
传统的剪辑坚持认为应该让观众看不出剪辑的痕迹，而跳切则完全颠覆了这种理念。这种剪辑手法源于法国新浪潮时期的电影，最早出现在电影《筋疲力竭》中，一个乘客坐车的镜头被生生切成了数段，而电影《窒息》甚至在长达数分钟中的镜头中采用了跳切手法。
为何说跳切是一种讨巧的剪辑手法，因为它可以把原本枯燥的一段镜头进行再加工，在不添加其他元素的情况让视频变得有意思，而变速手法也有异曲同工之妙。变速处理比较好理解，就是一段素材的前半部分用正常速度播放，后半部分进行加速或者慢速处理。
技巧4：慢速处理抒发思想感情
运用这种手法最多的视频非毕业MV莫属，我们回忆这样一个画面，若干意气风发的青年站在镜头前，3、2、1之后集体跳起来，把手中的学士帽抛向天空，保守一点说，基本上99%的制作者会在这里采用慢速处理。
文章中能教给大家的剪辑技巧实在有限，无论是交互式剪辑、跳切还是慢速处理，都是想告诉大家要把自己的情绪带入到视频中。我们经常能看到钢琴演奏者，时而低头静静敲打琴键，时而手指如飞仰头甩发，目的就是把音乐中的情绪传达给观众。对视频速度的处理和弹琴一样，通过不同的速度传达不同的情绪。
做变速处理：一般慢速比加速的情况多，我们可以把慢速的效果等同于“强调”，比如一个女孩和男孩见面，我们要强调见面时的感觉，就可以在他们擦肩而过的瞬间做慢速。
技巧5：将相同的镜头组接在一起
“今天老师带我们一起去春游，小伙伴们都高兴坏了，大家出门时都带了很多吃的，有的带香肠、有的带面包、有的带巧克力....”这是咱小学时写作文常用的手法，还记得叫什么吗，没错就是排比，其实视频中我们也有相似的手法，俗称并列剪辑，学名平行剪辑，先看下面一段视频。
举个例子，一般我们拍摄的视频素材都可以按照时间、地点以及人物进行分类。比如四五个好友一起去演唱会，那么去的过程包括做地铁、坐公交等视频都可以分在时间类别里，演唱会门口拍个合影、镜头扫个会场全景都可以分在地点类别里，剪辑时连续拼接一个类别的不同素材，就可以称之为平行剪辑，也就是我们说的并列剪辑。上面这段视频，我把魔术师受挫的镜头拼接在一起，就是把人物类别的素材并列组接在一起。
其实：平行剪辑涵盖的内容非常广，很多科幻电影，比如《盗梦空间》，就是把不同时空的素材并列在一起，这算是平行剪辑最特殊的例子了。咱们在剪辑时，只要是同时间发生的事情，都可以并列剪辑在一起，会起到意想不到的效果。而同时间内素材不够的话，参考交互式剪辑。
;Ⅶ 短视频拍摄技巧有哪些
现在抖音、微视等短视频软件深受大家喜爱，很多网友都是资深的短视频玩家，但是很少有人知道短视频拍摄的技巧，其实如果掌握一定的拍摄短视频的技巧可以涨粉很快哦，今天，趣编网的小编就为大家带来五个简单的拍摄短视频的小技巧。
短视频拍摄技巧一：构图
一幅作品的构图，凝聚着作者的匠心与安排的技巧，体现着作者表现主题的意图与具体方法，因此，它是作者艺术水平的具体反映。在构图中很重要的就“screen depth”。
这个screen depth不是景深，而是好莱坞电影中很刻意的在背景中的置景和环境让演员表演的区间。
制造“screen depth”有四个办法：
（1）方法之一，就是不要把拍摄的对象放在墙面前。不只你的灯爷会对你感恩戴德内牛满面，而且你也会立马得到更好的角度和深度。
（2）方法之二，就是拍摄的时候对着墙角。这是一个常见的简单小技巧，对着房间的对角线拍摄会增加空间的深度。把你的相机移到墙壁的对角线，或者至少能看见墙壁的角落，让你的画面看起来立马高大起来。
（3）方法之三，把外景带进来。如果你拍摄的地方有窗户，那么增加室内的照明让大家能看见室外。甚至你可以用绿屏拍摄去假装一个室外。很多时候新手往往喜欢block the window（把窗户挡起来）或者blow out the window（把窗户过曝），但是如果你能把窗户外的景色带进画面，往往你会发现这些不起眼的外景强烈暗示着环境，让画面非常漂亮地打开，画面的深度戏剧化地增加。
（4）方法四，如果你在室外拍摄，尝试取一些带有地标性的建筑物让观众知道你在哪里。如果你在原野上，你可以把房子或者拖拉机放在背景里。如果你在城市里，让观众看见演员背后三条街道风貌。这些在背景里的东西不需要在焦上，可以被虚化，但这些元素一定要在。
短视频拍摄技巧二：创造景深
（1）相机要有一个大的传感器。
（2）大光圈。这一点无论怎么强调都不为过。使用快镜头大光圈是非常必要的。光圈越大，景深就越浅。数值越小意味着光圈越大。
（3）长焦距。镜头焦距越长，景深越浅。
短视频拍摄技巧三：声音
好的短片，声音多半是精致的。院线电影和一般的小视频比，画面是可以模仿的。可是声音永远是无法超越的！性噪比高的录音设备收出来的声音干净无比。这么说吧，电影里我们常常可以听到香烟燃烧的声音，而我们在生活中都听不到。这就是电影声音制作的有趣之处。一切混音在真实的基础上加以戏剧化。而普通的视频，多半做不到声音干净，混音犀利。
短视频拍摄技巧四：调色
我听过一句话叫“无调色，不出片”，可见调色对一部短视频、电影来说是非常重要的，好的调色不仅可以提升影片的视觉效果，还可以形成一种风格。整体思路是从整体到局部，要想调出不错的色，首先你要知道一些基本的色彩知识，比如说色温、色相、互补色、相邻色等等，然后你还要熟悉一个调色工具。
很多人使用达芬奇来给自己的片子调色，还有人用一些插件，比如looks、film等等，这个主要看个人习惯。对于我来说，最常用的就是Pr cc2015内置的插件。一般来说拿到一条视频首先要进行一级调色，就是颜色校正，色温白平衡什么的，然后是二级调色，进行风格化处理，添加蒙版、套用lut。lut指的是色彩查找表，来源于胶片电影时代，类似于一种调色预设。
短视频拍摄技巧五：黑条
Ⅷ 如何学习视频调色
学习色彩理论！
如果不学这个，调色的所有行为都看上去是诡异而不可预测的。
比如拿到一个视频，整个视频偏黄，第一可以调节白平衡，第二可以在色盘上面找complementary颜色来抵消，就有色彩理论的原理在背后支持。
再比如，你的视频要表达一种很年轻，兴奋，快乐的感觉，那么你应该要使用黄色，橙色的analagous系列或者monochromatic系列来配色。比如下图，这样就是黄色系列的analagous。按照这个配色方案配出来的才会让人觉得柔和而快乐。
看电影是怎么调色的
搜集上百甚至上千张电影截屏，通过电影的场景来学习。下面的截图不是我搜集的，也是在网上看到的很好的例子，就搜藏下来了。